{"componentChunkName":"component---src-pages-map-js","path":"/karte/","result":{"data":{"allArtistsJson":{"nodes":[{"id":"e166d393-9976-5ff5-9c6a-461f6cd6fed6","slug":"TU-Braunschweig-kieloben","fixedProject":false,"name":{"de":"IAK/TU Braunschweig","en":"IAK/TU Braunschweig"},"projectNumber":"01","projectName":{"de":"Kieloben","en":"Kieloben"},"projectAudioDescription":{"local":{"publicURL":"/lichtparcours2020/static/26b4f90ecff1c5528711ec3ee4f7a22b/1.IAK-TU-Braunschweig-Kieloben.mp3"},"mimetype":"audio/mpeg"},"locationImage":{"title":{"de":"Östlich der Wendentorbrücke","en":null},"alt":{"de":"Östlich der Wendentorbrücke","en":null},"copyright":null,"local":{"childImageSharp":{"ratioImageFluid":{"base64":"data:image/png;base64,iVBORw0KGgoAAAANSUhEUgAAABQAAAAUCAYAAACNiR0NAAAACXBIWXMAADr8AAA6/AEV0/stAAAD90lEQVQ4y01Ua2/cVBD1f0UCiR+BkApfERJCSPChQrwEoiktVG1Cm2yTzT6dtdf2+v22d+19ZdMmpPDpMOeGjfhw5et7556ZOXNmtOl0iiAI4DgOuDdNE7Ztw3Vd2RuIowjz+RxxHOPk5ASWZaGu58gqF17WhR11sN4VyBsDftaHZtuWAiIgwRaLBdbrtTyqsXfGszzPcXZ2huFwKPtCAD34eR9JZeDm3SXyuQMvHUArikJFFEkku90Oy+VS7XnGx2maqugIzDPP8+Q+hmFeoKwybLdbbDYbFfl4PIYWhiHKskTTNEjkMaNktL7vYzQa3e/5JRj3dEBQ3/PVGe/Oz89VANrEMFQUaZrAnprwZw5C31PeCG5J2oyYjglGbmezmbojDVdXVypC2qsIyzxFlkRIswx+0aKf7jBON8qYaRCAtOyLRWCmT37pgBHuz8m1Nsm2GAhIJ7nBUfwXXsdv5HuLcdzCMi6kEF1MJgYu9IlEoN9HyvRIia7r6PV64sRHkiTQdInGzNewkjm8KJPqpnDyDH8m72B4CXR51Bt2keShAjRNqbwfCOBI0ZRJZoP+QKixlCOtLnMw7SQKpDgJDHsgBZIqVksczVZomxo/f32Ig4cdOK5Q4EmRgplUeSzRsdIlJoaOdrWQcw9aoDgJ1YUXGUjKKXbXDZbbAlYV4/DXMR588Bs+ff8AX338GC+enOKXhy/x6LtTHB9KdY916D0L3Rc2AieFttfV5nIpYBbK1sXl2wUu3zRICwcH3x7jo/ce4ZMPf8fnnw3xx6DBs8ECR5MWzy/W+PGnC5w+G+Hs0EDnqSk6FE35oYVmVYryB/DTIZpNiNu/34JdVDcZXj4e4ckPXWRti2LRoJjXyIWqICtwVlxDrzYIXR+vDnQBzA24aU/yt+B4I9jeGH5ki4xCTC0Tu6stbv+5wXItRRP9hSIZCrssK9RlgSBKcOxt0C2v8eUXHWjtNlKcJc0axtQR7ZkijUjE60oH2CKFWKqZyZCIlaCpzX33kKqAYhdbb97i+29Ooe2Eq9FUx3AmxUlLNV3uOsFQGkuSVAmZ4ub6f8dY1lQU0arpU5Upeq+kU+w8ghOl0nZTpSs+juTR3QNLLVtWIdqk5gjKLuKeQuY/W28nLcg21HRJMxFO2Erkht5Xq9W9MTnzExlXpczEKBSwDJWMtqqq1FDhHGCv3w2MCJor6e1/2K+VGHGE0RuNZ8KXG8hwqNcIRex5xfQKZVcKKIE5O2lLOjQCUYtMgcAknD3KtIzJRPWpJVOoKHLR6RyzvEEgwEVV3wEL4J5frv+EHd0T/rrTUYBMh+kbMt76/b7idF5XyDhwBdit1ogFmHZcBGZQ/wJDNX/MqdZT7wAAAABJRU5ErkJggg==","aspectRatio":1,"src":"/lichtparcours2020/static/d294eab67937deaf1c4088d326466c74/76057/1s.png","srcSet":"/lichtparcours2020/static/d294eab67937deaf1c4088d326466c74/b3853/1s.png 320w,\n/lichtparcours2020/static/d294eab67937deaf1c4088d326466c74/76057/1s.png 379w","srcWebp":"/lichtparcours2020/static/d294eab67937deaf1c4088d326466c74/c9fe2/1s.webp","srcSetWebp":"/lichtparcours2020/static/d294eab67937deaf1c4088d326466c74/32709/1s.webp 320w,\n/lichtparcours2020/static/d294eab67937deaf1c4088d326466c74/c9fe2/1s.webp 379w","sizes":"(max-width: 379px) 100vw, 379px"}}}},"location":{"de":"Östlich der Wendentorbrücke, 52.272589, 10.525345","en":"east of the Wendentorbridge, 52.272589, 10.525345"},"gender":"multiple","aboutArtistsWork":{"de":{"html":"<p style=\"margin: 0px;\">Mitten auf der Oker lag ein Boot mit dem Kiel nach oben. Ein Tau stellte eine gedankliche und gestalterische Verbindung zwischen dem Boot und der Plattform am Ufer her. Wurde an dem Tau auf der Plattform gezogen, leuchtete das Boot im Dunkeln schimmernd auf. Ein Lebenszeichen? Die Seelen der Verstorbenen? Das Licht erlosch, wenn die Anstrengungen eingestellt wurden.</p><p style=\"margin: 0px;\">&nbsp;</p><p style=\"margin: 0px;\">E<span style=\"margin: 0px;\">ntstanden im Wintersemester 2019/20 am </span>Institut für Architekturbezogene Kunst im Rahmen des Seminars „Low Tech Kraftwerk“ erzählte d<span style=\"margin: 0px;\">er Entwurf für <em>Kieloben</em> von Victoria </span><span style=\"margin: 0px;\">Hermesmann </span>in poetisch zurückhaltende Weise von einem aktuellen und schmerzlichen Thema unserer Zeit.</p><p style=\"margin: 0px;\">&nbsp;</p><p style=\"margin: 0px;\"><span style=\"margin: 0px;\">Ziel des Seminars war es ein Konzept </span>für ein wasserkraftbezogenes Kunstwerk für den Lichtparcours 2020 zu entwickeln und umzusetzen. Eine Studienarbeit von Daniel Gehrmann vom Institut für Wasserbau und Gewässermorphologie, die das <span style=\"margin: 0px;\">Gebiet an der Oker, </span>Oberstrom Wendentor/Mühlenpfordstrasse <span style=\"margin: 0px;\">untersuchte, diente </span>als Grundlage der Entwürfe. Die Arbeit <em>Kieloben</em> wurde als eins von 15 Konzepten einer externen Jury vorgestellt, ausgewählt und gemeinsam mit Studierenden umgesetzt.</p>"},"en":{"html":"<p>In the middle of the Oker, a boat floated with its keel turned upwards. A rope constituted the mental and artistic connection between the boat and the platform on the riverbank. When the rope was pulled on the platform, the boat emitted a shimmering light in the darkness. A sign of life? The souls of the dead? The light was extinguished when the efforts ceased.</p><p>The work was created during the winter semester 2019/20 at the Institut für Architekturbezogene Kunst during the seminar “Low Tech Kraftwerk.” The design for “Kieloben” by Victoria Hermesmann told about a current and painful contemporary issue in a poetically restrained manner.</p><p>The goal of the seminar was to develop and realize for the Lichtparcours 2000 an artwork that was related to water power. Serving as a basis for the designs was a seminar paper by Daniel Gehrmann from the Institut für Wasserbau und Gewässermorphologie that investigated the area along the Oker upstream at the Wendentor/Mühlenpfordstrasse. As one of 15 concepts, the work “Kieloben” was presented to and chosen by an external jury; it was realized as a joint student effort.</p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Das <strong>Institut für Architekturbezogene Kunst</strong> gehört dem Department für Architektur der Technischen Universität Braunschweig an. Ziel der Lehre am IAK ist es, die Wahrnehmung auf eine erhöhte Sensibilität für die urbane und natürliche Umgebung zu trainieren um deren visuelle und kreative Potenziale erkennen zu können. Die meisten Schritte der künstlerischen Praxis am IAK sind kollaborativ und machen kommunikative Fähigkeiten und Wissen über die Kunst zu einem wesentlichen Bestandteil der Lehre.<br><br>Das Projekt <em>Kieloben</em> wurde betreut von Prof. Folke Köbberling, Bernd Schulz und Michael Zwingmann.</p><p>Entwurf: Victoria Hermesmann<br>Technische Betreuung:&nbsp;Axel Schwietale&nbsp;</p>"},"en":{"html":"<p>The <strong>Institut für Architekturbezogene Kunst</strong> belongs to the Architecture Department at the Technische Universität Braunschweig. The goal of teaching at the IAK is to train perception to be increasingly sensitive to urban and natural surroundings and to be able to recognize their visual and creative potential. Most steps of artistic practice at the IAK are collaborative; communicative capabilities and knowledge about art are an essential aspect of the instructional program.</p><p>The project \"Kieloben\"&nbsp;was supervised by Prof. Folke Köbberling, Bernd Schulz and Michael Zwingmann.</p><p>Design: Victoria Hermesmann</p><p>Technical supervision: Axel Schwietale</p>"}},"otherProjects":[],"projectImages":[{"title":null,"alt":{"de":"Institut für Architekturbezogene Kunst in Kooperation mit dem Leichtweiß-Institut für Wasserbau TU/Braunschweig, Kieloben, 2020","en":null},"copyright":{"de":"Stadt Braunschweig / Daniela Nielsen","en":null},"local":{"childImageSharp":{"ratioImageFluid":{"base64":"data:image/jpeg;base64,/9j/2wBDABALDA4MChAODQ4SERATGCgaGBYWGDEjJR0oOjM9PDkzODdASFxOQERXRTc4UG1RV19iZ2hnPk1xeXBkeFxlZ2P/2wBDARESEhgVGC8aGi9jQjhCY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2P/wgARCAANABQDASIAAhEBAxEB/8QAFgABAQEAAAAAAAAAAAAAAAAAAwAF/8QAFgEBAQEAAAAAAAAAAAAAAAAAAgAB/9oADAMBAAIQAxAAAAHAckyaOK//xAAZEAADAQEBAAAAAAAAAAAAAAAAARECEiH/2gAIAQEAAQUCMSvfqcOmyU//xAAUEQEAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAQ/9oACAEDAQE/AT//xAAUEQEAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAQ/9oACAECAQE/AT//xAAZEAACAwEAAAAAAAAAAAAAAAAAIQEDEBH/2gAIAQEABj8CHPIFbjef/8QAGxABAAIDAQEAAAAAAAAAAAAAAQARMUFxIZH/2gAIAQEAAT8hI7h03UooycYuFfIMvFpm7w5P/9oADAMBAAIAAwAAABDDD//EABcRAQADAAAAAAAAAAAAAAAAAAABIWH/2gAIAQMBAT8QjVv/xAAYEQACAwAAAAAAAAAAAAAAAAAAAREhMf/aAAgBAgEBPxBzqKP/xAAcEAACAgIDAAAAAAAAAAAAAAABEQAxIUFhgaH/2gAIAQEAAT8QJLahiEjFl1BGAdEiMp48oYdqEMUeRKWaDAn/2Q==","aspectRatio":1.5023474178403755,"src":"/lichtparcours2020/static/fd341fe153c3066e1e3ad79ba738dc4b/eac4d/2020_06_0402.jpg","srcSet":"/lichtparcours2020/static/fd341fe153c3066e1e3ad79ba738dc4b/d1839/2020_06_0402.jpg 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Über die Fassadenwand ergoss sich von der Dachkante her scheinbar ein fließendes Gewässer. Aus der Vogelperspektive sah man eine Frau in einem Boot, ruhig aber beharrlich gegen den Strom dieses Flusses auf der Stelle rudern. Durch die entgegengesetzten Bewegungen der Ruder und des Wassers schien die feste Fassade des Gebäudes ins Schwingen zu geraten. Gab es einen Auftrag? Ist es Freizeitbeschäftigung oder Arbeit? Muße oder Pflicht? Wir sahen hier eine zeitgenössische Interpretation des Sisyphos, dessen ertraglose Arbeit darin besteht, eigentlich nur immer auf derselben Stelle zu bleiben, ohne je ein Ziel zu erreichen. Und — müssen wir uns diesen Sisyphos, wie Camus vorschlägt, nicht als einen glücklichen Menschen vorstellen? Führt die scheinbar unsinnige, weil zu keinem sichtbaren Ziel führende Tätigkeit nicht in einen Zustand erweiterter Wahrnehmung? Ist der Weg nicht das Ziel? Über die Dächer der Stadt Braunschweig hinweg weithin sichtbar wurde die Ruderin zum Sinnbild des voranstrebenden Menschen - ohne Gewissheit auf Erfolg, aber aus eigener Kraft glücklich.</p><p><strong><em>Die Arbeit EKSTASE II wurde mit freundlicher Unterstützung der Volkswagen Financial Services und des Braunschweigischen Hochschulbundes e.V. realisiert.</em></strong></p><p><span><em>Das Künstlerpaar dankt außerdem dem 1. Frauen-Ruder-Club Hannover 1928 e.V. dafür, dass sie das Holzboot Greta zur Verfügung gestellt haben und</em></span><span><em> der Rudergemeinschaft Angaria Hannover e.V. für den Transport sowie der Ruderin Johanna Grüne vom Hannoverschen Ruder-Club von 1880 e.V. Darüber hinaus danken sie dem Kameramann Nikolaj Georgiew für sein besonderes Engagement.</em></span></p>"},"en":{"html":"<p>For the Lichtparcours 2020, Lotte Lindner and Till Steinbrenner projected a filmic work onto the facade of the Okerhochhaus near the Wendentorbrücke. Water seemed to be flowing down from the edge of the roof across the facade. To be seen from a bird’s-eye perspective was a woman in a boat, rowing in calm determination against the stream at this place. The fixed facade of the building seemed to begin vibrating because of the opposing movements of the oars and the water. Was a task being fulfilled? Was this recreation or work? Idleness or duty? Here we saw a contemporary interpretation of the Sisyphus figure, whose fruitless work consisted of always remaining at the same place without ever reaching a goal. And is it not so, as Camus proposes, that we would imagine Sisyphus to be a happy person? Does the seemingly senseless activity not lead to a state of expanded perception, even though it does achieve any visible goal? Is the path in fact the goal? Visible from afar over the roofs of the city of Braunschweig, the female rower was a symbol of striving humanity—without the certainty of success, but delighting in her own strength.</p><p><strong>The work “EKSTASE II” was realized with the generous support of Volkswagen Financial Services and the Braunschweigischer Hochschulbund e.V.</strong></p><p><em>In addition, the artist couple would like to thank the 1<sup>st</sup> Frauen-Ruder-Club Hannover 1928 e. V. for providing the wooden boat Greta, the Rudergemeinschaft Angaria Hannover E.V. for the transport, and the rower Johanna Grüne from the Hannoverscher Ruder-Club von 1880 e.V. Moreover, they thank the camera man Nikolaj Georgiew for his special support.</em></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p><strong>Lotte Lindner</strong> (* 1971 in Bremen) und <strong>Till Steinbrenner</strong> (* 1967 in Hildesheim) arbeiten seit ihrer künstlerischen Ausbildung an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig gemeinsam ein Œuvre heraus, das durchdrungen ist von konkreten, formal reduzierten künstlerischen Eingriffen und Setzungen. Ihr sensibles Gespür für Räume, Kontexte und deren darin verhandelte Inhalte ist grundlegend für ihre skulpturalen, performativen, filmischen und installativen Arbeiten. Wichtiger Antriebspunkt ist dabei die Reflexion auf Arbeit — generell und im Kunstkontext und auf die eigene, die immer wieder auf die Probe (aus-)gestellt wird. Trotz der formalen Reduktion auf das Wesentliche schaffen sie es, atmosphärisch ambivalente Situationen zu kreieren. Mit ihrem charakteristisch rätselhaften Sinn umgibt ihre Kunst zunächst einerseits etwas Spielerisches, Leichtes, um dann in der weiteren Auseinandersetzung eine in die Tiefe gehende gewisse Instabilität in der Rezeption auszulösen. Es ist meist ein Spiel mit Erwartungen, das von dem Künstlerpaar zwischen unsicherer Gewissheit und sicherer Unwissenheit auf die Spitze getrieben wird. Immer dabei: ein kalkulierbares Risiko, das potenzielle Scheitern als Möglichkeit. Lotte Lindner und Till Steinbrenner leben in Hannover und haben verschiedene Lehraufträge u. a. in Hildesheim und Celle inne. Zuletzt waren ihre Arbeiten in Wien und in Bochum zu sehen.</p>"},"en":{"html":"<p><strong>Lotte Lindner </strong>(*1971 in Bremen) and <strong>Till Steinbrenner</strong> (*1967 in Hildesheim) have been working together ever since their artistic training at the Hochschule für Bildende Künste Braunschweig on an oeuvre that is permeated by concrete, formally reduced artistic interventions and statements. The sensitivity of these two artists to spaces, contexts and the concomitant contents is an essential aspect of their sculptural, performative, filmic and installational works. An important focus is a reflection about work—generally, in an artistic context and in relation to their own work, which is repeatedly subject to testing. In spite of the formal reduction to the essential, they manage to create atmospherically ambivalent situations. With its characteristically enigmatic meaning, their art is initially suffused with a playful, light element; in further developments, a certain and profound instability is triggered in the reception. It is most often a play with expectations that the artist couple carries to extremes between uncertain certainty and certain uncertainty. One constantly present element is a calculable risk, potential failure as a possibility. Lotte Lindner and Till Steinbrenner live in Hanover and hold various teaching positions including at Hildesheim and Celle. Most recently, their works were on display in Vienna and Bochum.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2019","text":{"de":"Meet, Gäste der Kunsthalle3000, Wien, Österreich | Ursuppe, adhoc, Bochum (solo)","en":"Meet, Gäste der Kunsthalle3000, Wien, Österreich | Ursuppe, adhoc, Bochum (solo)"}},{"year":"2018","text":{"de":"Mach es einfach, Kunstverein Wolfsburg, Wolfsburg | 88. Herbstausstellung, Kunstverein Hannover, Hannover | Der Erweiterte Blick. The Extended View, Kunstverein Langenhagen, Langenhagen | Tes mots dans ma bouche. Brussels take, in Zusammenarbeit mit Anna Rispoli, Kunstenfestival Brüssel, Brüssel, Belgien","en":"Mach es einfach, Kunstverein Wolfsburg, Wolfsburg | 88. Herbstausstellung, Kunstverein Hannover, Hannover | Der Erweiterte Blick. The Extended View, Kunstverein Langenhagen, Langenhagen | Tes mots dans ma bouche. Brussels take, in Zusammenarbeit mit Anna Rispoli, Kunstenfestival Brüssel, Brüssel, Belgien"}},{"year":"2017","text":{"de":"Alternative Gesellschaftsformen. Übung III: Selber Machen, Kunstverein Buchholz, Buchholz (solo) | PRODUKTION. made in germany drei, kestnergesellschaft; Kunstverein Hannover; Sprengel Museum Hannover, Hannover | Fake Reality, flat 1, Wien, Österreich","en":"Alternative Gesellschaftsformen. Übung III: Selber Machen, Kunstverein Buchholz, Buchholz (solo) | PRODUKTION. made in germany drei, kestnergesellschaft; Kunstverein Hannover; Sprengel Museum Hannover, Hannover | Fake Reality, flat 1, Wien, Österreich"}},{"year":"2016","text":{"de":"Rompeflasche, Centro de Arte Contempoáneo, Quito, Ecuador; H2-Zentrum für Gegenwartskunst, Augsburg","en":"Rompeflasche, Centro de Arte Contempoáneo, Quito, Ecuador; H2-Zentrum für Gegenwartskunst, Augsburg"}},{"year":"2015","text":{"de":"THE GOOD TIMES (are killing me), Kunstverein Hildesheim, Hildesheim | Streiflichter. 50 Jahre Kunstverein Celle, Celle","en":"THE GOOD TIMES (are killing me), Kunstverein Hildesheim, Hildesheim | Streiflichter. 50 Jahre Kunstverein Celle, Celle"}},{"year":"2014","text":{"de":"Paravent, VGH galerie, Hannover (solo) | Ist da wer – Performance in Wolfenbüttel, Kunstverein Wolfenbüttel, Wolfenbüttel","en":"Paravent, VGH galerie, Hannover (solo) | Ist da wer – Performance in Wolfenbüttel, Kunstverein Wolfenbüttel, Wolfenbüttel"}},{"year":"2013","text":{"de":"Was bleibt – Zeitsicht-Preis, Neue Galerie im Höhmannhaus, Augsburg (solo)","en":"Was bleibt – Zeitsicht-Preis, Neue Galerie im Höhmannhaus, Augsburg (solo)"}},{"year":"2012","text":{"de":"An-eignungen, Kunstverein Langenhagen, Langenhagen | Der Weg II. 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V., Hannover | ME-1, HBK Braunschweig, Braunschweig (solo) | Vertrautes Terrain, als Teilhaber des Vitalen Archivs von Sandra Kuhne, ZKM Karlsruhe, Karlsruhe","en":"7 Todsünden, hub:kunst.diskurs e. V., Hannover | ME-1, HBK Braunschweig, Braunschweig (solo) | Vertrautes Terrain, als Teilhaber des Vitalen Archivs von Sandra Kuhne, ZKM Karlsruhe, Karlsruhe"}},{"year":"2007","text":{"de":"Insomnia, Nuit Blanche, Le Générateur, Paris, Frankreich | Kreuz & quer, Ausstellungsprojekt der Kestnergesellschaft, Marktkirche Hannover, Hannover | Pierogi Flatfiling, Artnews Projects, Berlin | Love is Contemporary, Indisciplinarte, Terni, Italien","en":"Insomnia, Nuit Blanche, Le Générateur, Paris, Frankreich | Kreuz & quer, Ausstellungsprojekt der Kestnergesellschaft, Marktkirche Hannover, Hannover | Pierogi Flatfiling, Artnews Projects, Berlin | Love is Contemporary, Indisciplinarte, Terni, Italien"}},{"year":"2006","text":{"de":"Heimspiel. 83. Herbstausstellung niedersächsischer Künstler, Kunstverein Hannover, Hannover | Tribune, Intschede (solo) | Zu wahr um schön zu sein, D21 Kunstraum Leipzig, Leipzig (solo)","en":"Heimspiel. 83. Herbstausstellung niedersächsischer Künstler, Kunstverein Hannover, Hannover | Tribune, Intschede (solo) | Zu wahr um schön zu sein, D21 Kunstraum Leipzig, Leipzig (solo)"}},{"year":"2005","text":{"de":"La Galleria dell´Amore, Galleria Civica di Arte Contemporanea Trento, Trient, Italien | (my private) Heroes, Marta Herford, Herford","en":"La Galleria dell´Amore, Galleria Civica di Arte Contemporanea Trento, Trient, Italien | (my private) Heroes, Marta Herford, Herford"}},{"year":"2004","text":{"de":"The Retrospective. Abramovic Class 1997–2004, HBK Braunschweig, Braunschweig | Loop Performance, PS 1, New York City, New York, USA | Inauguración, Fundación NMAC, Montenmedio, Spanien","en":"The Retrospective. 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Zwölf verschieden lange Angelruten standen in gleichmäßigen Abständen nebeneinander am Okerufer. Doch während an vielen Stellen in Braunschweig mit diesen nach Fischen geangelt werden würde, waren an den Enden dieser zwölf Angelruten kleine mondähnliche Kugeln angebracht, die unterschiedlich stark leuchteten. Denn diese Leuchtkugeln waren mit einem Unterwassermikrofon, einem sogenannten Hydrofon, verbunden. Dieses übertrug die Geräusche des fließenden Wassers, der Tiere im und auf dem Wasser und der Boote, die auf der Oker schwammen, an die Kugeln am Ende der Rute. Diese Unterwassertöne wurden über ein Steuergerät des Hydrofons in tiefe, mittlere und hohe Töne aufgeteilt, in Lichtsignale übertragen und entsprechend den unterschiedlichen Höhen der Leuchtkugeln an diese abgegeben. Diese waren - angelehnt an ein Notensystem - auf unterschiedlichen Höhen angebracht und bewegten sich im Wind. Floss die Oker ruhig dahin, ohne nennenswerte Bewegung im Wasser, hatten die \"Monde\" ein relativ gleichmäßiges, bläulich-weißes Dauerlicht. Wenn jedoch das Wasser durch Fische, Frösche, Enten, Paddel oder Bootsmotoren in Schwingungen versetzt wurde, leuchteten die Kugeln heller auf und stimmten eine Lichtkomposition mit den „Monden“ an. Und was passierte, wenn es einen heftigen Sommerregen gab? Dann entstand ein kleines Feuerwerk, eine Lichtsymphonie aus der Unterwassertonwelt.</p><p><strong><em>Die Arbeit </em>Neptuns combo<em> wurde mit freundlicher Unterstützung der VR-Stiftung der Volksbanken und Raiffeisenbanken in Norddeutschland und der Volksbank BraWo realisiert.</em></strong></p><p><em>Die Arbeit wurde durch den Verein Braunschweiger Bildende Künstlerinnen und Künstler e. V. umgesetzt.</em></p>"},"en":{"html":"<p>The work conceived for the Braunschweiger Lichtparcours 2020 by Joseph Zehrer, who had already participated in the Braunschweig Parcours in 2004, was a tribute to the underwater sounds of the Oker River. Twelve fishing poles of different lengths stood next to each other at equal intervals on the riverbank. But whereas at many places in Braunschweig they are used to catch fish, here at the end of the twelve fishing rods were attached small, moonlike spheres that shone with various degrees of intensity. Each of these luminous spheres was attached to an underwater microphone, a so-called hydrofon, which transferred the noises of the flowing water, the animals in and on the water, and the boats floating on the Oker to the sphere at the end of the rod. These underwater sounds were divided by a monitor on the hydrofon into deep, mid-range and high frequencies, translated into light signals and, in accordance with the various heights of the spheres, transferred to them. In allusion to a notational system, the spheres were attached to the rods at various heights and moved in the wind. If the Oker was flowing placidly, with little movement in the water, the “moons” emitted a relatively constant, bluish-white light. But if the water was set in motion by fish, frogs, ducks, paddles or boat motors, the spheres shone more brightly and began playing a light composition with the moons. And what happened when there was a summer downpour? Then there was a minor firework display, a symphony of light from the world of underwater sounds.</p><p><strong>The work “Neptuns combo” was made possible by the generous support of the VR-Stiftung der Volksbanken und Raiffeisenbanken in Norddeutschland and the Volksbank BraWo.</strong></p><p>The work was realized by the <em>Verein Braunschweiger Bildende Künstlerinnen und Künstler e. V..</em></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Charakteristisch für die Malereien, Zeichnungen und Skulpturen des Künstlers <strong>Joseph Zehrer</strong> (* 1954 in Perbing), der in Köln lebt, ist das temporäre Festhalten vom Prozesshaften, eine Erforschung des Materiellen an der Grenze zur Immaterialität. Seine konzeptuelle Praxis spielt mit zeitlichen Systematiken, kombinatorischen Möglichkeiten und deren Veränderungen. Dadurch ergibt sich eine serielle Ästhetik, die formal minimalistisch daherkommt und das Flüchtige und Transparente zu einem interieurhaften Display umgestaltet. Mit seinen installativen und narrativen Verbindungen heterogener Techniken und angeeigneter wie auch zitierter Materialien entwickelt Jospeh Zehrer eine künstlerische Sprache, in der das Individuelle immer wieder im Kollektiven aufgeht und umgekehrt. Alles ist miteinander verbunden. Joseph Zehrer geht es darum, Referenzen und Zusammenhänge sichtbar zu machen. Auch aus diesem Interesse lässt sich die intensive Beschäftigung mit der Inszenierung von Licht und dessen Gestaltung zwischen funktionalem Kunst- und Designobjekt ableiten. Seine Arbeiten befinden sich in Sammlungen des Museums Ludwig in Köln, dem mumok in Wien und den Deichtorhallen in Hamburg. Seine limitierten Lüster und Leuchten sind Bestandteil internationaler Privatsammlungen. 2019 stellte die Halle für Kunst &amp; Medien in Graz und die Galerie Nagel Draxler in Köln Werke von Joseph Zehrer aus.</p>"},"en":{"html":"<p>The paintings, drawings and sculptures by the artist <strong>Joseph Zehrer</strong> (*1954 in Perbing, lives in Cologne) are characterized by the temporary fixing of the processual, an investigation of the material aspect on the border of immateriality. His conceptual practice plays with temporal systems, combinatory possibilities and their alterations. This gives rise to a serial aesthetic which uses forms in minimalistic ways and transforms the fleeting and transparent into an interior-like display. With his installational and narrational connections of heterogeneous techniques and both appropriated and quoted materials, Joseph Zehrer develops an artistic language in which the individual repeatedly merges with the collective and vice versa. Everything is linked to everything else. Joseph Zehrer is concerned with bringing references and interconnections to light. This interest is also the basis for an intensive involvement in the staging of light and its shaping between functional art- and design-object. His works may be found in the collections of the Museum Ludwig in Cologne, the mumok in Vienna and the Deichtorhallen in Hamburg. His limited-edition chandeliers and lamps form parts of private international collections. In 2019 the Halle für Kunst &amp; Medien in Graz and the Galerie Nagel Draxler in Cologne exhibited works by Joseph Zehrer.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2019","text":{"de":"Park, Galerie Nagel Draxler, Köln (solo) | Hate Speech. Aggression und Intimität, Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien, Graz, Österreich","en":"Park, Galerie Nagel Draxler, Köln (solo) | Hate Speech. 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Einzelne Modelle Braunschweiger Straßenlaternen waren „bis zum Hals“ in der Oker versenkt und schauten nur noch mit ihren leuchtenden Köpfen heraus. Das Aufgreifen von üblichen Laternen, die das umliegende Stadtbild mitbestimmen, und der Titel erlaubten dabei ein Spiel verschiedener Narrative: Ist der Flusslauf eine längst versunkene Straße, die nun unter der Wasseroberfläche verborgen liegt? Oder hat hier eine Laterne das Weite gesucht und ist bei der Überquerung der Oker stecken geblieben? Die Dramatik, die in der Arbeit mitschwang, verlor sich an der Grenze der Glaubwürdigkeit und wandelte sich zu einer geheimnisvollen und epischen Szene. Insbesondere in der Nacht, im Zusammenspiel von Licht und spiegelnder Wasseroberfläche, entfaltete sich der zunächst dystopische Eindruck der <em>Hellsinki</em><i></i> zur poetischen Assoziation und zum romantischen Aphorismus. Der Werktitel könnte aber auch Songtitel einer Grunge-Band der 1990er-Jahre sein oder der Titel eines Dokumentarfilms. Die begonnene Geschichte von <em>Hellsinki</em><i></i> weiterzuerzählen, ist den Besucherinnen und Besuchern überlassen.</p><p><strong><em>Die Arbeit Hellsinki wurde mit freundlicher Unterstützung des Arbeitsausschusses Tourismus Braunschweig e.V. und OkerTour realisiert.</em></strong></p>"},"en":{"html":"<p>The artist duo FORT, together with founding member Anna Jandt, realized the work “Hellsinki,” a staging that plays with the image of flooded landscapes. Individual models of Braunschweig street lamps were plunged into the Oker “up to the neck,” so that only their luminous heads remained above the water. The inclusion along with the title of customary street lamps that define the surrounding cityscape allowed a play with various narratives: Is the watercourse a long-submerged street that now lies hidden beneath the surface of the water? Or was a streetlamp heading off into the distance when it got stuck while crossing the Oker? The drama resonating in the artwork became lost at the border of credibility and was transformed into a mysterious and epic scene. Especially at night, in the interplay of light and reflective surface of the water, the initially dystopian impression conveyed by “Hellsinki” developed into a poetical association and a romantic aphorism. The title of the work, however, could also be the song title of a grunge band from the 1990s or the title of a documentary film. It is left to the visitors to continue the begun history of “Hellsinki.”</p><p><strong>The work “Hellsinki” was realized with generous support from the Arbeitsausschuss Tourismus Braunschweig e.V. and OkerTour.</strong></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Das Künstlerkollektiv <strong>FORT</strong> wurde 2008 von <strong>Alberta Niemann</strong> (* 1982 in Bremen), <strong>Anna Jandt</strong> (* 1980 in Bremen) und <strong>Jenny Kropp</strong> (* 1978 in Frankfurt am Main) gegründet. Seit 2013 machen Jenny Kropp und Alberta Niemann als Künstlerduo weiter. <em>Hellsinki</em> ist seitdem die erste Zusammenarbeit von FORT und Anna Jandt. Die Arbeiten von FORT sind meist installativ und kontextbezogen und funktionieren wie Reminiszenzen filmischer Erzählungen, die den Besucher häufig in einer Irritation oder leichten Beunruhigung lassen. Einfache Setzungen, wie <em>Hellsinki</em>, gehören ebenso wie komplexe skulpturale Rauminstallationen zu ihrem Repertoire. Ihr schwarzer Humor und die Leichtigkeit, mit der sie das fassadenhaft Trügerische - einen Fake - inszenieren, sind charakteristisch. Alberta Niemann und Jenny Kropp leben und arbeiten in Berlin. Zuletzt zeigte die Galerie Sies + Höke in Düsseldorf eine Ausstellung des Duos. Der Hamburger Kunstverein widmete ihnen 2018 eine Einzelausstellung.</p>"},"en":{"html":"<p>The artist collective <strong>FORT </strong>was founded in 2008 by <strong>Alberta Niemann</strong> (*1982 in Bremen), <strong>Anna Jandt</strong> (*1980 in Bremen) and <strong>Jenny Kropp</strong> (*1978 in Frankfurt am Main). Since 2013, Jenny Kropp and Alberta Niemann have been working further as an artistic duo. Since then, “Hellsinki” is the first collaboration between FORT and Anna Jandt. The works of FORT are mostly installational and context-related; they function like reminiscences of filmic narratives that frequently leave the visitor perplexed or slightly disquieted. Their repertoire includes simple statements such as “Hellsinki” as well as complex, sculptural spatial installations. Characteristic of their work is black humor and the ease with which they stage deceptive facades, fakes. Alberta Niemann and Jenny Kropp live and work in Berlin. Most recently the Galerie Sies + Höke in Düsseldorf presented an exhibition about the duo. In 2018 the Hamburger Kunstverein dedicated a solo exhibition to them.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2018","text":{"de":"Sweet Sickness, Sies + Höke, Düsseldorf | Night Shift, Hamburger Kunstverein, Hamburg (solo) | Rinnzekete bee bee nnz krr müü, Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden","en":"Sweet Sickness, Sies + Höke, Düsseldorf | Night Shift, Hamburger Kunstverein, Hamburg (solo) | Rinnzekete bee bee nnz krr müü, Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden"}},{"year":"2017","text":{"de":"Limbo, Langen Foundation, Neuss Leck, Art Basel Unlimited, Basel, Schweiz (solo) | I’m not here to make friends, Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburg | Rumors of Glory, Basis, Frankfurt am Main | Night Shift, Casino Luxembourg – Forum d’ art contemporain, Luxemburg (solo)","en":"Limbo, Langen Foundation, Neuss Leck, Art Basel Unlimited, Basel, Schweiz (solo) | I’m not here to make friends, Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburg | Rumors of Glory, Basis, Frankfurt am Main | Night Shift, Casino Luxembourg – Forum d’ art contemporain, Luxemburg (solo)"}},{"year":"2016","text":{"de":"The School of Art, Science and Technical Classes, Mostyn, Wales, Großbritannien (solo) | Retired, Cremer-Preis 2016, LWL – Museum für Kunst und Kultur, Münster (solo) | Karl Schmidt-Rottluff Stipendium. Die Ausstellung 2016, Kunsthalle Düsseldorf | Kunstpreis der Böttcherstraße, Kunsthalle Bremen","en":"The School of Art, Science and Technical Classes, Mostyn, Wales, Großbritannien (solo) | Retired, Cremer-Preis 2016, LWL – Museum für Kunst und Kultur, Münster (solo) | Karl Schmidt-Rottluff Stipendium. Die Ausstellung 2016, Kunsthalle Düsseldorf | Kunstpreis der Böttcherstraße, Kunsthalle Bremen"}},{"year":"2015","text":{"de":"The Daily Sun, Artothek, Köln (solo) | Im Inneren der Stadt, GAK Gesellschaft für aktuelle Kunst, Bremen | Letztes Jahr in Marienbad. Ein Film als Kunstwerk, Kunsthalle Bremen, Bremen Shift, Kestner Gesellschaft, Hannover (solo)","en":"The Daily Sun, Artothek, Köln (solo) | Im Inneren der Stadt, GAK Gesellschaft für aktuelle Kunst, Bremen | Letztes Jahr in Marienbad. 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Der Titel ist eine Hommage an die Wärterin, die in der Vergangenheit einen Verkaufsstand zwischen Frauen- und Männertoiletten betrieb. Die markante Form der Architektur der Frontseite verdoppelte Paul Schwer mit einem transparenten, pink bemalten Kunststoff, die sich über einen von mehreren Stützen getragenen Stahlrahmen über dem Gebäude wölbten. Die ablesbare malerische Geste auf den Kunststoffplatten reagierte mit dem Sonnenlicht. So entstand eine Farbkomposition im Raum, deren leuchtender Körper einen Kontrast zum herrschaftlichen HAUM, der Steintorbrücke als Stadttor und den beiden Torhäusern bildete.</p><p>Die nachts beleuchteten Spiegelungen an der Oberseite der Brücke wurden durch ein wildes Licht- und Tonspektakel im inneren der ehemaligen Toilettenräume begleitet. Der österreichische Klangkünstler Franz Pomassl nutze die Klänge der vom Künstler verwendeten Materialien und ließ so die ehemaligen Toilettenräume neu aufleben. Eine zusätzliche, teilweise mit der Soundarbeit interagierende rhythmische Lichtprogrammierung verwandelte den Raum in einen virtuellen Club, der auf Besuchende wartete.</p><p>Mit seiner Intervention aktivierte Schwer den aufgegebenen Ort und kreierte ein Spiel zwischen Dynamik und Statik, ein Spiel zwischen Aufbau, Abbau, Verfall und Status quo. Denn im Angesicht der scheinbaren Fragilität erweckte diese Architektur nicht das Gefühl des Heimeligen. Vielmehr erschien sie wie eine zeitgenössische Ruine, ein Übergangsraum oder temporärer Transformationsraum, der durch sein Spiel mit dem Licht den Umraum (re-)aktiviert.</p><p><strong>Die Arbeit <em>Die Wärterin</em> wird mit freundlicher Unterstützung der Richard Borek Stiftung realisiert.</strong></p>"},"en":{"html":"<p>The point of departure for Paul Schwer’s artistic considerations about “Die Wärterin” was the former public urinal at the classicist Steintorbrücke between the Herzog Anton-Ulrich-Museum and the Museum für Photographie. The title is a tribute to the female attendant who in the past operated a tiny sales booth between the men’s and women’s toilets. Paul Schwer duplicated the striking form of the architecture of the front side with transparent, pink-painted plastic that was stretched over the building upon a steel framework carried by several supports. The legible painterly gesture on the plastic panels reacted to sunlight. This gave rise to a color composition in space whose luminous body contrasted with the imposing museum, the Steintorbrücke as a city gate and the two gateway buildings.</p><p>The reflections on the upper side of the bridge, illuminated at night, were accompanied by a wild spectacle of light and sound inside the spaces of the former public urinal. The Austrian sound artist Franz Pomassi used the sounds of the materials employed by the artist and thereby gave renewed life to the former public urinal. An additional, rhythmic light-programming that interacted to some extent with the sound-work transformed the space into a virtual club awaiting visitors.</p><p>With his intervention, Schwer activated the abandoned site and created an interplay between dynamism and stasis, a play between construction, dismantlement, decay and status quo. Because in view of its apparent fragility, this architecture did not occasion a feeling of homelike coziness. It instead appeared like a contemporary ruin, a space of transition or of temporary transformation which reactivates the surroundings through its play with light.</p><p><strong>The work \"Die Wärterin\" was realized with the generous support of the Richard Borek Stiftung.</strong></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Das bildhauerische Werk von <strong>Paul Schwer</strong> (*1951 in Hornberg, im Schwarzwald) ist vor dem Hintergrund seiner Auseinandersetzung mit malerischen Thematiken der Fläche, Farbe, Oberfläche des Bildträgers, Licht und Transparenz in seiner künstlerischen Ausbildung als Maler zu reflektieren. Man könnte ihn als Glasmaler mit anderen Mitteln bezeichnen, der im Zuge seines Schaffens malereibezogene Konzepte verräumlicht, sich von der Leinwand, dem Zweidimensionalen, gelöst hat und seitdem dreidimensionale Farbraumbilder, die auch körperlich erfahren werden können, schafft. Wenn nicht begehbar, dann setzen sie den Betrachtern doch eine gewisse körperliche Präsenz entgegen. Dass seine bevorzugten Materialien wie Plexiglaselemente, Neonröhren und Folien aus dem industriellen Bereich und das Licht und dessen Effekte aus der Steckdose kommen, sind dabei nüchterne, aber nicht unwesentliche Aspekte. Denn Schwer, der auch als Jugend- und Kinderpsychiater gearbeitet hat, geht es genau auch um unsere menschliche Wahrnehmung und was die Betrachter – nüchtern und/oder illusioniert – daraus machen. Grundlegend sind für diese Entwicklung auch die von ihm als synästhetischer Rausch erlebten Großstädte, die sich in einem ständigen räumlichen und architektonischen Veränderungsprozess befinden, wo Abrisse und Neubauten als rabiate Eingriffe das Gesicht der Stadt täglich verändern. 2018 zeigte das Museum Goch und das Museum Ratingen eine umfangreiche Einzelausstellung. Im Jahr 2019 waren seine Arbeiten u. a. im Kunstverein Pforzheim zu sehen.</p>"},"en":{"html":"<p>The sculptural work of <strong>Paul Schwer</strong> (*1951 in Hornberg in the Black Forest) is influenced by his artistic education as a painter, a perspective that should be considered against the background of his investigation of painterly themes of surface, color, surface of the picture-carrier, light and transparency. One could describe him as a glass painter who uses other means and, over the course of his artistic production, spatializes painting-related concepts, frees himself from the canvas, from two-dimensionality, and subsequently creates three-dimensional color-space pictures that can also be experienced corporeally. Even if they can not be walked into, they nevertheless confront viewers with a certain physical presence. Some matter-of-fact but not unimportant aspects are the facts that his preferred materials such as Plexiglas elements, neon tubes and foils come from the industrial realm and that light and its effects comes from an electrical outlet. Because Schwer, who also worked as a youth- and child-psychiatrist, is also concerned precisely with our human perception and what viewers—sober and/or delusional—make out of it. Of fundamental importance for this development are also the metropolises which, experienced by him as synesthetic intoxication, are involved in a process of constant spatial and architectural change when demolitions and new buildings alter the appearance of cities through their brutal interventions. In 2018 the Museum Goch and the Museum Ratingen presented a comprehensive solo exhibition. In 2019 his works could be seen at such institutions as the Kunstverein Pforzheim.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2019","text":{"de":"Psifiakos Digital Destruction, Daily Lazy, im Rahmen des Transfer International Athen NRW, Athen, Griechenland | Trockenbau-Twist, Kunstverein Pforzheim, Pforzheim","en":"Psifiakos Digital Destruction, Daily Lazy, im Rahmen des Transfer International Athen NRW, Athen, Griechenland | Trockenbau-Twist, Kunstverein Pforzheim, Pforzheim"}},{"year":"2018","text":{"de":"Von beiden Enden, Museum Goch, Goch; Museum Ratingen, Ratingen (solo) | Gallery Sofie Van de Velde, Antwerpen, Belgien | Light Box, Kunstmuseum Celle, Celle (solo)","en":"Von beiden Enden, Museum Goch, Goch; Museum Ratingen, Ratingen (solo) | Gallery Sofie Van de Velde, Antwerpen, Belgien | Light Box, Kunstmuseum Celle, Celle (solo)"}},{"year":"2017","text":{"de":"Signal, Lichtkunst der Sammlung Robert Simon im Kunstmuseum Celle, Celle | Play, Seaside, Sculpture project of the Busan Biennale, Busan | South Korea Imagined homes, Antike und Beton, Parallelprogramm der 6. Thessaloniki-Biennale, Goethe-Institut, Thessaloniki, Griechenland | Krisenraum, Lutherkirche Bonn, Bonn (solo)","en":"Signal, Lichtkunst der Sammlung Robert Simon im Kunstmuseum Celle, Celle | Play, Seaside, Sculpture project of the Busan Biennale, Busan | South Korea Imagined homes, Antike und Beton, Parallelprogramm der 6. 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Jahrhundert, Kunstmuseum Celle, Celle | Lichtschlag, permanente Lichtinstallation, IKOB – Museum für Zeitgenössische Kunst, Eupen, Belgien (solo) | Museum Art Plus, Donaueschingen (solo)","en":"rough cuts, mit Claudia Desgranges, MMIII Kunstverein Mönchengladbach GMMIII, (mit Claudia Desgranges) Mönchengladbach (solo) | Konzeption Landschaft, Billboard-Skulpturenprojekt Hoeschplatz, Leopold-Hoesch- Museum, Düren Scheinwerfer 2, Lichtkunst in Deutschland im 21. 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Dieser leuchtete in ca. 50 cm hohen Buchstaben und über eine Länge von 30 Metern mit verschiedenen Lichtintensitäten. Im Zusammenspiel mit den sich bewegenden Ästen und Blättern war der Schriftzug von Flussseite aus nur in Teilen sichtbar. So ließen sich während der Fortbewegung auf dem Wasser immer andere Worte erkennen und es entstanden neue Assoziationen: SOUND&nbsp;&nbsp; OF&nbsp;&nbsp; THE WIND IN THE TREES oder YOU ARE FRIGHTENED&nbsp;&nbsp; OF&nbsp;&nbsp; THE TREES. Erst wenn die Besuchenden an dem Mauersegment entlangliefen, war der vollständig erleuchtete Satz lesbar und las sich wie eine Behauptung, ein Auszug aus einem Gedicht oder Märchen, welches versucht, eine beruhigende Geschichte zu erzählen, die Vergewisserung und Zuversicht bringt, die beruhigen soll. Etchells ging damit einen besonderen, spielerischen Dialog mit diesem historischen Ort ein, den der Architekt Peter Joseph Krahe 1820 zum Löwenwall umgestaltet hat. Solche Mauern dienten früher zum Schutz, um Ängste zu dämmen und ruhig schlafen zu können. Heute werden Mauern aus anderen Gründen gezogen, unter anderem auch aus Lärmschutzgründen oder - wie damals - aus Angst vor vermeintlich Fremden. Und während das Kunstwerk einerseits auf die Parksituation mit den vielen Bäumen und deren Rauschen der Blätter reflektierte, bezog es gleichzeitig das Rauschen der Geräusche auf der viel befahrenen Kurt-Schumacher-Straße ein. Aktuelle Bezüge zu gegenwärtigen Diskussionen rund um den Klimaschutz bzw. das Verhältnis von Umwelt- und Verkehrspolitik wurden hier ebenso assoziativ angeregt, wie eine Auseinandersetzung mit der Geschichte der Stadt. <em>IN THE TREES</em> war, wie viele der Werke von Tim Etchells, mehrdeutig und spricht verschiedene narrative Ebenen an. Die Arbeit erzeugte in ihrer Ambiguität einen reizvollen ästhetischen Bruch, der nicht nur darin aufgeht, sondern auch im poetischen, politischen und aktuellen Diskurs assoziativ und psychologisch erfahrbar war.<br><br><strong>Die Arbeit <em>IN THE TREES</em> wurde mit freundlicher Unterstützung von BS|ENERGY und SE|BS realisiert.</strong></p><p><i>Um einen nachhaltigen Lichterparcours 2020 zu ermöglichen, belieferte BS|Energy die Veranstaltung erstmalig kostenlos mit Naturstrom. Julien Mounier, Vorstandsvorsitzender von BS|Energy, erklärt: „Dass der Lichtparcours in diesem Jahr trotz schwieriger Umstände stattfinden kann, ist ein starkes Signal für Braunschweig. Wir freuen uns deshalb umso mehr, das Event mit grünem Strom sowie als Sponsor eines Lichtobjekts zu unterstützen.“ </i></p>"},"en":{"html":"<p>On the wall segment of the base of the Löwenwall facing the Oker, the British artist Tim Etchells realized the writing “THE SOUND YOU ARE FRIGHTENED OF IS ONLY THE WIND IN THE TREES.” This work shone in letters approximately 50 cm high and over a length of 30 meters with various intensities of illumination. In interplay with moving branches and leaves, the writing could only partially be seen from the river side. Thus during the movement on the water, other words could always be read, giving rise to new associations: SOUND&nbsp; OF&nbsp; THE WIND&nbsp; IN&nbsp; THE TREES or YOU ARE FRIGHTENED&nbsp;&nbsp; OF&nbsp;&nbsp; THE TREES. Only when visitors walked along the wall segment was the entire, illuminated sentence legible; it read like an assertion, an extract from a poem or fairy tale attempting to tell a soothing story that is supposed to bring assurance and certainty, to convey calm. Etchells thereby entered into a special, playful dialogue with this historical site that the architect Peter Joseph Krahe reshaped into the Löwenwall in 1820. Walls such as this used to offer protection in order to reduce fears and allow undisturbed sleep. Today walls are built for other reasons: to reduce noise or—as in earlier times—out of fear of supposed foreigners. And while on the one hand the work of art reflected upon the park situation with its many trees and the rustling of their leaves, it simultaneously included the noises from the busy Kurt-Schumacher-Straße. This not only gave rise to associations with current discussions about climate protection or the relationship between environmental concerns and traffic management, but also promoted an investigation of the history of the city. Like many of Tim Etchells’ works. “IN THE TREES” was ambiguous and established several narrational levels. In its ambiguity, the work created a stimulating aesthetic break that went further and also could be associatively and psychologically experienced in poetical, political and current discourse.</p><p><strong>The work “IN THE TREES” was realized with the generous support of BS|ENERGY and SE|BS.</strong></p><p>In order to make possible a sustainable Lichtparcours 2020,&nbsp; BS|ENERGY for the first time provided the event with green electricity at no charge. Julien Mounier, chairman of the board of BS|ENERGY, explains: “The fact that this year, in spite of difficult circumstances, the Lichtparcours can take place is a strong signal for Braunschweig. We are all the more pleased to support the event with green electricity and as the sponsor of a light-object.”</p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p><strong>Tim Etchells</strong> (* 1962 in Stevenage, Großbritannien) ist Künstler, Schriftsteller und Autor von Performance- und Theaterstücken. Neben seiner Arbeit als freischaffender Künstler, die sich in Videos, Performances, Fotografie, Installationen, Text-Projekten und Literatur ausdrückt, ist er auch Mitgründer der Performance-Gruppe Forced Entertainment (gegründet 1984) und erarbeitet kollaborativ mit anderen Künstlern, Choreografen und Fotografen verschiedene Bühnenprojekte. Seit 2008 konzentriert sich seine künstlerische Praxis auf das Exponieren von Sprache in deren verschiedensten Ausformungen. Grundlegend ist dafür der Einsatz von LED und Neonröhren, mit denen er Worte und Satzfragmente auf spielerische und poetische Weise (ver-)formt und damit die Abstraktion und Widersprüchlichkeit von Sprache ausstellt. Auf der anderen Seite steht die Klarheit der Form, die Geschwindigkeit und Lebendigkeit in der Kommunikation miteinander, in der Bilder, Geschichten und Ideen verhandelt werden. Viele seiner Arbeiten werden für den öffentlichen Raum konzipiert und adressieren damit direkt die Menschen in dessen Umgebung. Etchells schafft damit poetische Momente des Innehaltens und Reflektierens in einem zumeist lauten und hektischen Stadttreiben. Tim Etchells lebt in London und lehrt als Professor für Performance an der Lancaster University. In Deutschland waren seine Arbeiten zuletzt in der Kunsthalle Mainz und in der Galerie Patrick Ebensperger in Berlin zu sehen.</p>"},"en":{"html":"<p><strong>Tim Etchells</strong> (*1962 in Stevenage, Great Britain) is an artist, writer and author of performances and plays. In addition to his work as a freelance artist in the areas of video, performance, photography, installation, text-project and literature, he is also the co-founder of the performance group Forced Entertainment (established in 1984) and works collaboratively on various theatrical projects with other artists, choreographers and photographers. Since 2008 his artistic practice has been concentrated on the presentation of language in its various expressive shapes. Of fundamental importance here is the use of LED and neon tubes with which he (mis-)shapes words and sentence fragments in a playful and poetical manner and thereby brings to the fore the abstraction and contradictoriness of language. On the other hand, attention is paid to the formal clarity, speed and liveliness of mutual communication with which images, stories and ideas are conveyed. Many of his works are conceived for public spaces and thereby directly address people in their vicinity. Etchells thereby creates poetic moments of pause and reflection amid the hustle and bustle of city life. Tim Etchells lives in London and teaches at Lancaster University as a professor for performance. His works could be seen most recently at the Kunsthalle Mainz and the Galerie Patrick Ebensperger in Berlin.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2019","text":{"de":"Something Common, Ebensperger Rhomberg, Salzburg, Österreich | Between Us, Kunsthalle Mainz, Mainz | A Temporary Sadness/A Beautiful Silence, Patrick Ebensperger, Berlin (solo)","en":"Something Common, Ebensperger Rhomberg, Salzburg, Österreich | Between Us, Kunsthalle Mainz, Mainz | A Temporary Sadness/A Beautiful Silence, Patrick Ebensperger, Berlin (solo)"}},{"year":"2018","text":{"de":"In So Many Words, Lân fan taal, European Capital of Culture, Leeuwarden, Niederlande","en":"In So Many Words, Lân fan taal, European Capital of Culture, Leeuwarden, Niederlande"}},{"year":"2017","text":{"de":"Was sind die Wolken? (What Are the Clouds?), Kunstgebäude Stuttgart, Stuttgart | Emergency, One Day Performance as part of Savvy Radio in Documenta 14, Kassel | Together Apart, Kunstverein Braunschweig, Braunschweig (solo)","en":"Was sind die Wolken? 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Der seidene Glanz lies sie zart und empfindlich erscheinen, doch demonstrierte die extreme Spannung des Stoffs in den Zwischenräumen zugleich dessen Widerstandsfähigkeit.</p><p>Diese skulpturalen Leuchtkörper mit einer Haut aus synthetischen, industriell gefertigten Nylonstrumpfhosen, erinnerten an das Design gängiger Innenlampen, die vor allem in Wohnräumen für eine behagliche Atmosphäre sorgen. Die von Licht und Lampen hergestellte Stimmung geht über die Lampe als Lichtquelle hinaus. Durch die Verschiebung unserer Wahrnehmung eines klar als Innen bzw. Außen definierten Raumes entpuppt sich der öffentliche Raum als Ort, an dem vermehrt Privates verhandelt und damit zum Teil des politischen und sozialen Miteinanders wird. Das Private wird öffentlich. Nevin Aladağ modifizierte das Bild privaten Interieurs und spielte mit einer Vision von einem bunt leuchtenden, privaten, abendlichen Stadtbild, welches auch in Anlehnung an die Arbeit Colors mit der US-amerikanischen Schreibweise auf Fragen nach kultureller Herkunft, Gender und dessen Zuschreibungen anspielte. Dem weißen, gleißenden Licht der üblichen Straßenlaternen wurde das bunte, vielfältige, durch die verschiedenfarbigen Feinstrumpfhosen schimmernde Licht der Leuchtkörper Aladağs entgegengesetzt.&nbsp;</p><p><strong>Die Arbeit <em>Color-floating 1 &amp; Color-floating 2</em> wurde mit freundlicher Unterstützung der Appelhagen Rechtsanwälte Steuerberater PartGmbB realisiert.</strong></p>"},"en":{"html":"<p>For the Lichtparcours 2020, Nevin Aladağ presented a form of her work series “Colors” that was further developed for an outside space: two aluminum&nbsp; forms out of variously sized, plate-like elements arranged atop each other were covered with colored and structured tights. The silky shimmer made them appear delicate and sensitive; but the extreme tension of the material stretched in the intermediate spaces simultaneously demonstrated its tough resistance.</p><p>These sculptural light-objects with a skin of synthetic, industrially produced nylon tights were reminiscent of the design of typical lamps that create a comfortable atmosphere, especially in living spaces. The mood created by light and lamps exceeds the lamp as a source of light. Through the shifting of our perception of a space clearly defined as either interior or exterior, the public space is revealed to be a place where private elements are increasingly represented and thereby become part of a social and political collaboration. The private becomes public. Nevin Aladağ modified the image of private interiors and played with the vision of a colorfully shining, private, evening image of the city which, also in reference to the work “Colors” with American orthography, alluded to issues of cultural origin, gender and its attributions. Contrasting with the white, glaring light of customary street lamps was the colorful, diverse light of Aladağ’s light-objects shimmering through the variously-colored pairs of tights.</p><p><strong>The work “Color-floating 1 &amp; Color-floating 2” was realized with the generous support of the Appelhagen Rechtsanwälte Steuerberater PartGmbB.</strong></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>In ihrer multimedialen Arbeitsweise formuliert <strong>Nevin Aladağ</strong> (* 1972 in Van, Türkei) Fragen nach kultureller Herkunft und Identität. Dabei geht es nicht um die Anklage oder das Aufzeigen eines Verlustes, sondern vielmehr um das Herausarbeiten verschiedener Rollenklischees, Strategien der Selbst- und Fremdwahrnehmung, um auf bestimmte vorgefasste Erwartungen in der Gemeinschaft aufmerksam zu machen. Mit skulpturalen, fotografischen oder performativen Elementen macht die Künstlerin Bedeutungen und Bindungen sichtbar, die in unserem Alltag und unserer diversen Gesellschaft weniger beachtet werden. Die formal-ästhetische Ausarbeitung löst häufig eher einen Handlungsimpuls vonseiten der Betrachter aus, als sich in der passiven Rezeption zu verlieren.</p><p>Indem sie Alltägliches aus den gewohnten Zusammenhängen löst, erweitert, sampled oder synchronisiert, werden immer wieder scheinbar fremde Lebensentwürfe mit der eigenen kulturellen Identität in Verbindung gebracht - nicht ohne selbstkritisch mit der eigenen Rolle in diesem Spiel konfrontiert zu sein. Nevin Aladağ lebt und arbeitet in Berlin. Ihre Arbeiten wurden zuletzt im Martin-Gropius-Bau in Berlin und in der Kestnergesellschaft Hannover gezeigt.</p>"},"en":{"html":"<p>Working with multimedia, <strong>Nevin Aladağ</strong> (*1972 in Van, Turkey) raises questions about cultural origin and identity. She is concerned, not with making accusations or demonstrating a loss, but instead with bringing to light different stereotypical roles and strategies for perceiving oneself or others, for the purpose of drawing attention to certain preconceived expectations in society. The artist uses sculptural, photographic or performative elements to shed light on meanings and connections that tend to be disregarded in our daily life and our diverse society. The formal-aesthetic elaboration frequently triggers an impulse to act in the viewer more than a tendency towards passive reception. By detaching, expanding, sampling or synchronizing everyday elements from their customary contexts, the artist brings seemingly foreign lifestyles into contact with her own cultural identity—not without being self-critically confronted with her own role in this game. Nevin Aladağ lives and works in Berlin. Her works were displayed most recently at the Martin-Gropius-Bau in Berlin and at the Kestnergesellschaft in Hanover.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2019","text":{"de":"Big Orchestra, Schirn Kunsthalle, Frankfurt | And Berlin Will Always Need You. Kunst, Handwerk und Konzept Made in Berlin, Martin-Gropius-Bau, Berlin | Water Lines, The High Line, New York City, New York, USA","en":"Big Orchestra, Schirn Kunsthalle, Frankfurt | And Berlin Will Always Need You. Kunst, Handwerk und Konzept Made in Berlin, Martin-Gropius-Bau, Berlin | Water Lines, The High Line, New York City, New York, USA"}},{"year":"2018","text":{"de":"Nevin Aladağ. Teil 2: Social Fabric, Kestnergesellschaft, Hannover (solo) | Nevin Aladağ. Teil 1: Best Friends, Kestnergesellschaft, Hannover (solo) | Honey, I Rearranged the Collection, Hamburger Kunsthalle, Hamburg (solo) | Worlds Otherwise Hidden, Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, Missouri, USA","en":"Nevin Aladağ. Teil 2: Social Fabric, Kestnergesellschaft, Hannover (solo) | Nevin Aladağ. Teil 1: Best Friends, Kestnergesellschaft, Hannover (solo) | Honey, I Rearranged the Collection, Hamburger Kunsthalle, Hamburg (solo) | Worlds Otherwise Hidden, Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, Missouri, USA"}},{"year":"2017","text":{"de":"Nevin Aladağ. Fünf Steine Spiel, Salzburger Kunstverein, Salzburg, Österreich (solo) | Viva Arte Viva, La Biennale di Venezia, 57th International Art Exhibition, Venedig, Italien | Learning from Athens, documenta 14, Kassel, Kassel und Athen, Griechenland | @G: Nevin Aladağ. Traces, Museum Tinguely, Basel, Schweiz","en":"Nevin Aladağ. 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Kunst und Tanz seit den 60ern, Haus der Kunst, München | Eyes Looking for a Head to Inhabit, Muzeum Sztuki, Lodz, Polen Diaspora, Jüdisches Museum, Berlin","en":"Move. Kunst und Tanz seit den 60ern, Haus der Kunst, München | Eyes Looking for a Head to Inhabit, Muzeum Sztuki, Lodz, Polen Diaspora, Jüdisches Museum, Berlin"}},{"year":"2010","text":{"de":"Pattern Matching, Wentrup Projects, Berlin (solo) | A Dream ... But not yours: Contemporary Art from Türkei, National Museum of Women in the Arts, Washington DC, USA","en":"Pattern Matching, Wentrup Projects, Berlin (solo) | A Dream ... But not yours: Contemporary Art from Türkei, National Museum of Women in the Arts, Washington DC, USA"}},{"year":"2009","text":{"de":"What keeps Mankind alive?, The 11. International Istanbul Biennial, Istanbul, Türkei | Who killed the painting?, Neues Museum Weserburg, Bremen","en":"What keeps Mankind alive?, The 11. 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Die <em>Bar du Bois</em> ist einerseits ein nicht kommerzieller Off-Space in Wien, der von den drei Künstlern zusammen betrieben wird, andererseits auch eine für jeden Ausstellungsraum speziell gefertigte Bar, deren Dimension und Erscheinungsbild mit jedem Mal wechselt. Zusammen mit Arbeiten anderer Künstlerinnen und Künstler schaffen sie mit ihrer Bar einen sozialen Ort, hinter dem eine polymorphe Künstlergruppe steckt, in dem künstlerische als auch kuratorische Aspekte auf experimentelle Art inszeniert werden. Das Mobiliar der Bar wurde von den eingeladenen Kunstschaffenden gebaut und betrieben. Alle Arbeiten darin lassen sich sowohl als Kunstwerke als auch als funktionale Bestandteile der Bar lesen. Bildhauer, Maler, Fotografen kreierten gemeinsam einen Ort, an dem Rausch gehuldigt wurde. Denn letztlich war die Bar auch Sinnbild und Ort eines exzessiven Künstlerlebens, des Bohemiens, der sein von Isolierung und Nichtanerkennung geplagtes Dasein nur im Rausch ertrug. Kunsthistorische Vorgänger ließen sich nicht nur bei Édouard Manet, Edgar Degas, Max Beckmann, Martin Kippenberger oder Jörg Immendorff finden, sondern auch andere zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler wie Inken Reinert oder das Künstlerduo Peles Empire inszenierten immer wieder Barsituationen, in denen es um das ungezwungene Beisammensein geht. Die Idee der <em>Bar du Bois</em> ist dabei von einem kollektiven Gedanken getragen, in dem es nicht um die Etablierung einer künstlerischen Autorschaft geht, sondern vielmehr um die Inszenierung einer informellen, provisorischen Form, in der verschiedene Gewerke, ähnlich wie bei einem Hausbau, beteiligt sind. So entsteht eine skurrile Atmosphäre, die gespeist wurde durch einen Stilmix und die Verschiebungen von Codes.</p><p><strong>Die Arbeit <em>Bar du Bois</em> wurde mit freundlicher Unterstützung der GÖHMANN Rechtsanwälte • Notare realisiert.</strong></p>"},"en":{"html":"<p>The collective concept of the Bar du Bois (“Bar out of Wood”) is an artistic idea that has been continuously expanded by the three artists Julian Turner, Andreas Harrer and Florian Pfaffenberger since 2013. On the one hand, the Bar du Bois is a non-commercial off-space in Vienna that is jointly operated by the three artists; on the other hand, it is a bar that is specially adapted to each exhibition space and whose dimensions and appearance are different each time. Together with the works of other artists, the three turn their bar into a social place behind which is a polymorphous artist group and in which both artistic and curatorial aspects are staged in an experimental manner. The furnishings of the bar were built and operated by the invited artists. All the works therein may be read both as artworks and as functional elements in the bar. Sculptors, painters and photographers together created a site where intoxication is praised. Because ultimately the bar was also the symbol and site of an excessive artistic life lived by the Bohemian figure, who could only bear his existence weighed down by isolation and non-recognition while in a state of intoxication. Art-historical predecessors can be found not only with Édouard Manet, Edgar Degas, Max Beckmann, Martin Kippenberger or Jörg Immendorf, but also with contemporary artists such as Inken Reinert or the artist duo Peles Empire, who repeatedly staged bar situations where the focus was on unrestrained togetherness. Thus the idea of the Bar du Bois is animated by a collective concept that is concerned, not with the establishment of artistic authorship, but instead with the staging of an informal, provisional form in which different crafts are involved, similarly to the construction of a house. This gives rise to an absurd atmosphere nourished by a mixture of styles and the shifting of codes.</p><p><strong>The work “Bar du Bois” was realized with the generous support of GÖHMANN Rechtsanwälte • Notare.</strong></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Seit 2013 wurde <em>Bar du Bois</em> durch <strong>Andreas Harrer, Florian Pfaffenberger und Julian Turner</strong> als Off-Space in der Wiener Innenstadt betrieben. Über die Dauer von zwei Jahren wurden mit vielen Mitwirkenden an die 40 Ausstellungen und Performances realisiert. Durch immer neue Kollaborationen mit Künstlerinnen und Künstlern aus der international durchmischten Wiener Kunstszene variiert <em>Bar du Bois</em> ihr Auftreten von Station zu Station. Alle drei Initiatoren arbeiten als Künstler auch an ihren eigenen Projekten. 2019 wurde bereits eine Bar im Belvedere 21 in Wien und in der Galerie Kargl Permanent, ebenfalls in Wien, errichtet.</p>"},"en":{"html":"<p>Since 2013, the Bar du Bois has been operated by <strong>Andreas Harrer, Florian Pfaffenberger and Julian Turner</strong> as an off-space in downtown Vienna. Over a period of two years, nearly forty exhibitions and performances were realized with many participants. Through constantly new collaborations with artists from the international art scene in Vienna, the Bar du Bois varies its presentation from station to station. All three initiators work as artists on their own projects. In 2019 a bar was already set up at the Belvedere 21 in Vienna and at the Galerie Kargl Permanent, likewise in Vienna.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2019","text":{"de":"Über das Neue, Belvedere 21, Wien, Österreich | Permanent Defcon, mit Arbeiten von Sophie Gogl, Julia Kolbus und Astrid Wagner, Georg Kargl Permanent, Wien, Österreich","en":"Über das Neue, Belvedere 21, Wien, Österreich | Permanent Defcon, mit Arbeiten von Sophie Gogl, Julia Kolbus und Astrid Wagner, Georg Kargl Permanent, Wien, Österreich"}},{"year":"2018","text":{"de":"die neue Linie, Bar du Bois, mit Arbeiten von Katrine Bobek, Till Megerle, Lukas Posch, and Paulina Semkowicz, Wien, Österreich","en":"die neue Linie, Bar du Bois, mit Arbeiten von Katrine Bobek, Till Megerle, Lukas Posch, and Paulina Semkowicz, Wien, Österreich"}},{"year":"2016","text":{"de":"Bar du Bois, Galerie der Stadt Schwaz, Bar-Installation mit Roy F. Culbertson III, Marc-Alexandre Dumoulin, Melanie Ebenhoch, Ann Muller und Cecilie Norgaard, mit Arbeiten von Anna Barfuss, Kamilla Bischof, Julia Haller, Michael Horsky, Anna Ida Pezzot, Julia Kolbus, Dominik Louda, Beatrice Marchi, Saskia Te Nicklin, Matthias Noggler, Alex Ruthner, Alexandra Wanderer, Kathrin Wojtowicz, Julia Znoj","en":"Bar du Bois, Galerie der Stadt Schwaz, Bar-Installation mit Roy F. 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Veränderungen und ökonomischen Interessen ausgesetzte Lagunenstadt Venedig (mit ihrem Lido di Venezia) und Braunschweig an der Oker. In diese setzte der Künstler einen weißen Schuttcontainer, über dessen Rand sich auf einer Seite Wasser ergoss und an dessen Seiten - ähnlich einem Springbrunnen - Wasser herausspritzte. Schiffskörper, egal ob Kreuzfahrtschiff oder Floß, verdrängen Wasser. Auch der Container leitete die Kraft mehrerer Kubikmeter Wasser um und nahm damit direkt Einfluss auf den von Talsperren regulierten Wasserstand der Oker. Bei eintretender Dunkelheit wurde das Innere des wassergefüllten Containers, der im normalen Gebrauch mit Teppichen, Sperrmüll, Holz und industriellem Müll gefüllt ist, beleuchtet und somit energetisch aufgeladen. Es entstand der Eindruck, es handele sich hier um den Einstieg eines tief unter der Erde befindlichen Raumes, der von innen erstrahlt. <em>Aqua Alta*</em> erzeugte in der Rezeption ein ambivalentes Spiel von poetischem Grauen und bedrohlicher Schönheit und verwies auf deutlich spürbare Zusammenhänge geografischer und klimatischer Veränderungen.</p><p><strong>Die Arbeit <em>Acqua Alta</em> wurde mit freundlicher Unterstützung der ALBA Braunschweig GmbH realisiert.</strong></p><p><em>Des Künstlers besonderer Dank gebührt dem Team von ALBA Braunschweig, insbesondere Matthias Fricke, Ralf Peterke und Ulf Wolters, welche das Projekt mit ihrem Engagement und ihrer tatkräftigen Unterstützung möglich gemacht haben.</em></p><p>*Aqua Alta ist Name der jährlich abgehaltenen Internationalen Fachmesse für Hochwasserschutz, Klimafolgen und Katastrophenmanagement.</p>"},"en":{"html":"<p>Inspired by the old writing LIDO at the Bunker at the Kalenwall, which refers to the Braunschweig Film Theater opened in 1957, and by the history of Braunschweig as a medieval city traversed by canals, Benjamin Bergmann narratively combined in his work “Acqua Alta” (“High Water”) two sites that would seem at first glance to have little to do with each other: on the one hand Venice, a city threatened with destruction and exposed to climatic changes and economic interests; and on the other, Braunschweig on the Oker. The artist placed in this work a white rubble container over whose edges water flowed on one side and at whose sides—similarly to a fountain—water sprayed. The bodies of vessels displace water, whether they are cruise ships or rafts. Likewise, the container redirected the energy of several cubic meters of water and thereby had a direct influence on the water level of the Oker, which is regulated by barrage dams. At nightfall the interior of the water-filled container, which normally contains carpets, bulky refuse, wood and industrial waste, was illuminated and thereby energetically charged. There arose an impression that it was a matter here of the entrance to a space, deep within the Earth, that shone from within. In its reception, “Aqua Alta”* created an ambivalent interplay between poetical horror and threatening beauty and pointed towards clearly perceptible interconnections between geographic and climatic changes.</p><p><strong>The work “Acqua Alta” was realized through the generous support of the ALBA Braunschweig GmbH.</strong></p><p>The artist would like to express their gratitude particularly to the team of ALBA Braunschweig, especially Matthias Fricke, Ralf Peterke and Ulf Wolters, who made the project possible with their enthusiastic commitment and active support.</p><p>*Aqua Alta is the name of the annual international fair for flood protection, climate impact and catastrophe management.</p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Den raumgreifenden Skulpturen und Installationen von <strong>Benjamin Bergmann</strong> (* 1968 in Würzburg) gehen zumeist räumliche Studien voraus, in denen er die spezifischen Eigenheiten der Ausstellungsorte beobachtet und dann in seiner Kunst spiegelt. Viele seiner Werke konzipiert er für und im öffentlichen Raum. Aus seiner anfänglichen Praxis, bei der Performances und Aktionen eine wesentliche Rolle spielten, entwickelten sich bildhauerische Arbeiten, in der performative und aktionistische Elemente formal und konzeptuell angedeutet werden. So zum Beispiel, wenn er auf einem Hochhaus am Rand der Fassade einen Basketball (Never Ever, 2012) installiert. Er schafft Raumbilder, in die die Rezipierenden physisch und mental einbezogen werden. Charakteristisch für sein Schaffen ist das Spielerische, mit dem er einen Bruch der realen und künstlichen Welt evoziert und sie auf seine Art wieder miteinander verwebt. Nicht selten ist dies mit einem Humor des Absurden verbunden: „Das Schöne an der Absurdität ist für mich die Nachhaltigkeit der Verwirrung. Irgendwann ertappt man sich, darüber nachzudenken, ob nicht das Absurde doch mehr von der Wirklichkeit haben könnte, als diese selbst.“ (Zitat Benjamin Bergmann). Benjamin Bergmann lebt und arbeitet heute in München. Von 1997 bis 2001 war er Teil der Performancegruppe GMAM, 1999 bis 2001 gehörte er der Musik/Performancegruppe Club le Bomb an. Seine letzte Einzelausstellung war im Sprengel Museum in Hannover zu sehen, 2018 widmete der Kunstverein Konstanz seinen Arbeiten eine Einzelausstellung.</p>"},"en":{"html":"<p>The space-encompassing sculptures and installations of <strong>Benjamin Bergmann</strong> (*1968 in Würzburg) are most often preceded by spatial studies in which he observes the specific characteristics of the exhibition sites and then reflects them in his art. Many of his works are designed for public spaces. His initial practice, in which performances and actions played an essential role, gave rise to his sculptural works, in which there are formal and conceptual allusions to performative and actionistic elements. For example, when he installs a basketball onto a high-rise building at the edge of its facade (“Never Ever,” 2012). He creates spatial images into which recipients are physically and mentally integrated. His creative output is characterized by the playfulness with which he evokes a rupture between the real and artificial worlds and then weaves them back together in his own way. More often than not, this is combined with an absurdist humor: “What is appealing to me about absurdity is the ongoing effect of confusion. At some point you notice that you are considering whether it might be the case that the absurd possesses more reality than does reality itself.” (quote: Benjamin Bergmann) Today Benjamin Bergmann lives and works in Munich. From 1997 to 2001 he was part of the performance group GMAM; from 1999 to 2001 he belonged to the music/performance group Club le Bomb. His last solo exhibition could be seen at the Sprengel Museum in Hanover. &nbsp;In 2018 the Kunstverein Konstanz dedicated a solo exhibition to his works.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2019","text":{"de":"The Revolution Will Not Be Televised, Sprengel Museum Hannover, Hannover (solo)","en":"The Revolution Will Not Be Televised, Sprengel Museum Hannover, Hannover (solo)"}},{"year":"2018","text":{"de":"stillleben, Kunstverein Konstanz, Konstanz (solo)","en":"stillleben, Kunstverein Konstanz, Konstanz (solo)"}},{"year":"2016","text":{"de":"A Perfect Match, Pinakothek der Moderne, München | Realtime – The Art of Slowness, Kunstmuseum Bonn, Bonn Emscherkunst | Benjamin Bergmann, abc, Berlin (solo)","en":"A Perfect Match, Pinakothek der Moderne, München | Realtime – The Art of Slowness, Kunstmuseum Bonn, Bonn Emscherkunst | Benjamin Bergmann, abc, Berlin (solo)"}},{"year":"2015","text":{"de":"Sculpture 2015, Sculpture Museum, Marl | I Got to Have One of Those, Lenbachhaus, 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Der Künstler ist bekannt für seine farbintensiven, grafisch anmutenden Installationen, die er jedes Mal für den Ausstellungsort spezifisch und erstmals im Rahmen des Lichtparcours für den Außenraum konzipiert. Die Neonelemente selbst erinnerten an eine im Verschwinden begriffene Form urbaner Ornamentik. Wo früher kommerzielle Leuchtreklamen mit aufwendigen, individuellen Lichtröhrenkonstruktionen das Stadtbild prägten, sind heute aufwendig animierte LEDs oder Lichtkästen zu finden. Insofern oszilliert Neonreklame als Warendisplay heute zwischen nostalgischem Überbleibsel und cooler Retro-Strategie. Die dreidimensionalen abstrakten Lichtzeichnungen von Anselm Reyle referierten auf diese Ästhetik kommerzieller Information. Dabei erhöhte die Platzierung der Arbeit im Bürgerpark statt im innerstädtischen Raum mit seinen Anzeigen und Reklamen den Kontrast und die Wirkung dieser eigentlichen deplatzierten Setzung, die nichts verkaufen möchte. Das harmonische Zusammenspiel der verschiedenen Farben, Formen und Größen, die teilweise ineinander zu fließen schienen, erinnerten dabei an eine synästhetische Umsetzung eines musikalischen oder dichterischen Stückes.</p><p><strong>Die Arbeit <em>She will o the wind</em> wurde mit freundlicher Unterstützung der FIBAV-Unternehmensgruppe und der Floßstation realisiert.</strong></p>"},"en":{"html":"<p>The contribution of the artist Anselm Reyle to the Lichtparcours 2020 was a 3D Informal consisting of colorfully shining neon tubes hanging from the Drachenbrücke in the Bürgerpark. The artist is known for his intensively colored, graphic installations which he develops specifically for each respective exhibition site, working outdoors for the first time in the framework of the Lichtparcours 2020. The neon elements themselves were reminiscent of a form of urban ornamentation that is in the process of disappearing. Just as illuminated commercial advertising with elaborate, individual constructions of neon lights used to mark the cityscape, today elaborately animated LEDs or light boxes may be found. Thus neon advertising as a display of products today oscillates between nostalgic relic and cool retro strategy. The three-dimensional, abstract light drawings by Anselm Reyle referred to this aesthetic of commercial information. The locating of the work in the Bürgerpark instead of in the downtown area with its displays and advertisements enhanced the contrast and impact of this strangely displaced statement that does not seek to sell anything. The harmonious interplay of the various colors, forms and sizes, which in some cases seemed to flow into each other, was reminiscent of a synesthetic realization of a musical piece or a poem.</p><p><strong>The work “She will of the wind” was realized with the generous support of the FIBAV-Unternehmensgruppe and the Floßstation.</strong></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Das Werk von <strong>Anselm Reyle</strong> (* 1970 in Tübingen) umfasst Malerei, Skulptur und Installationen, in denen er Materialien, wie Folien, Autolacke, Farbpasten, Bau- und Elektroschrott, formal in abstrakte Werke übersetzt. Diese Fundstücke, die ihrem vorgesehenen funktionalen Einsatz enthoben sind, werden bei Reyle so verfremdet und transformiert, dass durch veränderte Skalierung und Materialität eine Wahrnehmungsverschiebung stattfindet. Die verschiedenen Ebenen werden meist zu scheinenden, glänzenden Oberflächen, deren ästhetische Präsenz auch in der bewussten Provokation des klassischen Klischees und Kitschbegriffs aufgeht. Die Adaption verschiedener, teils gegenläufiger kunstgeschichtlicher Stile (wie z. B. Minimal Art und Informel) und Formate, wie dem singulären Tafelbild, führt zu einer irritierenden Diskrepanz von Inhalt und Form. Reyles Bilder vermögen in ihrer Perfektion zu verführen, andererseits erzeugen sie Skepsis und Distanz, einen Zweifel an der Ernsthaftigkeit dieser Setzung. Zu recht. Denn seine auf visuelle Reize angelegten Werke bzw. seriellen Werkgruppen, in denen idealisierte Kunstgeschichte mit Design und postmodernem Impetus ironisch kombiniert werden, sind sein Versuch, auf den Kern „geschmacklicher Klischees zu kommen und diese neu zu beseelen“ (Zitat Anselm Reyle). Anselm Reyle ist seit 2009 Professor im Studienschwerpunkt Malerei/Zeichnen an der HFBK Hamburg. Zuletzt waren seine Arbeiten in der Almine Rech Gallery in New York und im Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwart in Berlin zu sehen.</p>"},"en":{"html":"<p>The oeuvre of <strong>Anselm Reyle</strong> (*1970 in Tubingen) comprises painting, sculpture and installations in which he formally translates materials such as foils, car paint, construction- and electrical waste into abstract works. This found pieces, which have been detached from their functional utilization, are so distorted and transformed by Reyle that a shift of perception occurs through an altered scaling and materiality. The various levels frequently become shining surfaces whose aesthetic presence evolves into deliberate provocation of the classic cliché and notion of kitsch. The adaptation of various, in some cases contradictory art-historical styles (e.g. Minimal Art and Informalism) and formats (such as the solitary panel painting) leads to a perplexing discrepancy between content and form. In their perfection, Reyle’s pictures exert a seductive appeal; but they also create skepticism and distance, a doubt as to the seriousness of this statement. Rightly so. Because the works or serial work groups aiming at visual stimulation, in which idealized art history is ironically combined with design and postmodern impetus, constitute the artist’s endeavor “to get to the heart of clichés with regard to taste and to imbue them with new life.” (quote: Anselm Reyle)</p><p>Since 2009 Anselm Reyle has been a professor for painting/drawing at the HFBK Hamburg.&nbsp;</p><p>Most recently, his works could be seen at the Almine Reich Gallery in New York and at the Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwart in Berlin.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2020","text":{"de":"Another Day To Go Nowhere, König Tokio, Tokio, Japan","en":"Another Day To Go Nowhere, König Tokio, Tokio, Japan"}},{"year":"2018","text":{"de":"By Fire, Ceramic Works, Almine Rech Gallery, New York City, New York, USA | Hello World. Revision einer Sammlung, Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwart, Berlin","en":"By Fire, Ceramic Works, Almine Rech Gallery, New York City, New York, USA | Hello World. Revision einer Sammlung, Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwart, Berlin"}},{"year":"2017","text":{"de":"Laguna Sunrise, Almine Rech Gallery, Brüssel, Belgien (solo) | Eight Miles High, König Galerie, Berlin (solo) | Der Duchamp-Effekt. Readymade, Kunsthalle Göppingen, Göppingen","en":"Laguna Sunrise, Almine Rech Gallery, Brüssel, Belgien (solo) | Eight Miles High, König Galerie, Berlin (solo) | Der Duchamp-Effekt. 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Martin Eder, Michael Kunze, Anselm Reyle, Thomas Scheibitz, Neue Nationalgalerie, Berlin","en":"Electric Spirit, Gary Tatintsian Gallery, Moskau, Russland (solo) | Neon – Vom Leuchten in der Kunst, Museum für Konkrete Kunst, Ingolstadt | BubeDameKönigAss. 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Diskursive Malerei von Albers bis Zobernig aus der Daimler Kunstsammlung, Mumok Wien, Wien, Österreich","en":"Anselm Reyle, Kukje Gallery, Seoul, Korea, Südkorea (solo) | Bilder über Bilder. 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Moderne Kunst, heute, Kunstverein in Hamburg, Hamburg | It‘s all an Illusion. A Sculpture Project, Migros Museum für Gegenwartskunst, Zürich, Schweiz","en":"Licht und Farbe, Neuer Aachener Kunstverein, Aachen (solo) | Formalismus. Moderne Kunst, heute, Kunstverein in Hamburg, Hamburg | It‘s all an Illusion. 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Mithilfe einer Lichtsteuerung wurden die verschiedenen Schlafphasen, bestehend aus Wach- und REM-Phasen (englisch für Rapid-Eye-Movement) über einen Zeitraum von acht Stunden simuliert. Je nachdem, in welchem Schlafrhythmus diese sich befanden, leuchteten sie unterschiedlich stark und gleichmäßig. Die Lagerung dieser Laternen in einer Regalkonstruktion erinnerte dabei an ein Hochbett, wie man sie auch aus Jugendherbergen oder Kasernen kennt. Wohnseifer spielte damit, Objekte während des „Schlafens“ zu beobachten. Das absurde Bild der nachts im Park schlafenden Laternen stand im Gegensatz zu der üblichen Betrachtungsweise von tagsüber „ruhenden“ und in der Dunkelheit „arbeitenden“ Laternen.</p><p><strong>Die Arbeit <em>No Sleep</em> wurde mit freundlicher Unterstützung von Max Kroker Bauunternehmung GmbH &amp; Co. realisiert.</strong></p>"},"en":{"html":"<p>The contribution entitled “No Sleep” by Johannes Wohnseifer for the Lichtparcours 2000 took no-longer-used street lamps previously set up in the urban space of Braunschweig and put them in a sort of artificial sleep. With the help of a light regulator, a simulation lasting eight hours was created with regard to the various phases of sleep, consisting of waking periods and REM (rapid-eye-movement) phases. Depending on the sleeping rhythm in which they found themselves, the street lamps glowed with differing intensity and regularity. Their placement in a shelf construction was reminiscent of a loft bed such as is familiar from youth hostels or military barracks. Wohnseifer played with observing objects during the “sleep.” The absurd image of street lamps sleeping at night in the park stood in contrast to the customary perspective in which they are said to be “resting” during the day and “working” at night.</p><p><strong>The work “No Sleep” was realized with the generous support of Max Kroker Bauunternehmug GmbH &amp; Co.</strong></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p><strong>Johannes Wohnseifer</strong> (* 1967 in Köln) schafft in einem assoziativen Spiel aus Material, Format und Inhalt künstlerische Arbeiten, deren glatte und glänzende Ästhetik die der Werbeindustrie aufgreift und damit deren propagandistischen Impetus herausfordert. Es geht ihm darum, den Kern eines Markenimages mit seinen Mythen und Stereotypen offenzulegen. Nicht selten nutzt er in seinen Videoarbeiten, Fotografien, Skulpturen und Installationen dieselben Mittel der Inszenierung, wie sie in der Werbeindustrie genutzt werden. Diese Adaptionen kontrastiert er durch einen Bruch in winzigen Details, die den Kern, die Marke, die Firma, die Berühmtheit, auf eine Hülle reduzieren und als reproduzierbare Oberfläche erscheinen lassen. Johannes Wohnseifer lebt in Köln und ist seit 2007 Professor für Malerei und Skulptur an der Kunsthochschule für Medien in Köln. Seine Arbeiten sind in zahlreichen Sammlungen vertreten, u. a. im Museum Folkwang in Essen, in der Sammlung Christian Boros in Berlin und Sammlung Julia Stoschek in Düsseldorf. Zuletzt waren seine Arbeiten bei KÖNIG LONDON in London (2019) und im Marta Herford in Herford (2017) zu sehen.</p>"},"en":{"html":"<p><strong>Johannes Wohnseifer</strong> (*1967 in Cologne) engages in an associative play with material, format and content to create artistic works whose smooth, shiny aesthetic echoes the techniques of the advertising industry and thereby challenges its propagandistic impetus. He is concerned with bringing to light the core of a marketing image with its myths and stereotypes. In his video works, photographs, sculptures and installations, he often uses the same staging strategies as in the advertising industry. These adaptations have a contrasting function through a break in tiny details that reduce the core, the brand, the company, the fame to a shell and present them as a reproducible surface. Johannes Wohnseifer lives in Cologne; since 2007 he has been a professor for painting and sculpture at the Kunsthochschule für Medien in Cologne. His works are represented in numerous collections, including the Museum Folkwang in Essen, the Christian Boros Collection in Berlin and the Julia Stoschek Collection in Düsseldorf. 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Für den Lichtparcours 2020 zeigte die Lichtkünstlerin die <em>Light Steps</em> (deutsch: <em>Lichttreppe</em>) erstmals im Außenraum. Hintereinander hängende, weiß leuchtende Neonröhren suggerierten durch die Anbringung in gleichmäßigen Abständen und Höhen eine Treppe. Doch wo führt diese Treppe hin? Die <em>Light Steps</em> öffneten Fragen im Hinblick darauf, inwieweit Licht Architektur und Raum sein, simulieren, be- und ausgrenzen kann. Einerseits markierten die Röhren eine zusammenhängende Form, andererseits konnten Besuchende diese auch durchdringen und von verschiedenen Blickwinkeln immer neue Formen erkennen. Dachte man die Arbeit aus gestalttheoretischer Perspektive, dann wurde die zunächst als Ganzheit erscheinende leuchtende Treppe zur Linie, zur verräumlichten Zeichnung, zum Raum an sich. Ist es ein Raum, der den umgebenden Bereich aufgrund seiner architektonischen Struktur öffnet, der begrenzt und dem vorhandenen (Ausstellungs-)Raum einen realen oder virtuellen Raum entgegensetzt? Und ist es nicht Licht, das uns überhaupt erst ermöglicht, Raum, Form und Farben zu erkennen? All diese Fragestellungen beschäftigten Brigitte Kowanz in ihren lichtinstallativen Arbeiten, mit denen sie versucht, das nichtgreifbare Licht in seiner Luzidität, Transparenz und Immaterialität in eine Form zu bringen, die deutlich macht, dass das Phänomen Licht mehr als ein Lichtkörper ist.</p><p><em>Die Arbeit Light Steps wurde mit freundlicher Unterstützung der Braunschweigischen Stiftung, der Braunschweigischen Landessparkasse und der Öffentlichen Versicherung Braunschweig realisiert.</em></p>"},"en":{"html":"<p>The “Light Steps” are a central work in the oeuvre of Brigitte Kowanz. For the Lichtparcours 2020, the light-artist presented the “Light Steps” for the first time in an outdoor setting. White-shining neon tubes that were hung successively behind each other at regular intervals and heights brought to mind a stairway. But where does it lead? The “Light Steps” raise questions about the degree to which light can be, simulate, delimit and exclude architecture and space. On the one hand, the tubes mark out a coherent form; on the other hand, visitors can also penetrate it and recognize constantly new forms from different points of view. If one were to consider the work from the perspective of gestalt theory, then the stairway, initially appearing as a totality, would become a line, a spatialized drawing, a space per se. Is it a space which opens the surrounding area on the basis of its architectural structure, which has a delimiting function and responds to the existing (exhibition-)space with a real or virtual space? And is it not light that first allows us to recognize space, form and colors at all? Brigitte Kowanz turns her attention to all these issues in her light installations, with which she endeavors to imbue impalpable light in its lucidity, transparency and immateriality with a form which makes it clear that the phenomenon of light is more than a light-object.</p><p><strong>The work “Light Steps” was realized with the generous support of the Braunschweigische Stiftung, the Braunschweigische Landessparkasse and the Öffentliche Versicherung Braunschweig.</strong></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Licht wird bei <strong>Brigitte Kowanz</strong> (* 1957 in Wien) sowohl zur Sprache als auch zum Code. Dabei geht es ihr nicht nur um formal-ästhetische Aspekte, vielmehr beginnt ihre Auseinandersetzung mit Licht in der Physik, dem Versuch, Licht als elektromagnetische Wellen bzw. Strahlungen von künstlerischer Seite zu begreifen. Auch deshalb konzentriert sich die Künstlerin auf die Arbeit mit sogenanntem weißen Licht. Neben dem realen Raum ist auch der virtuelle Datenraum für die Künstlerin ein Kosmos, den sie durch das skulpturale Aufgreifen von Morsecodes und Schlüsseldaten hiesiger Internetkonzerne durchdringt. Seit 1997 hat sie die Professur für Transmediale Kunst an der Universität für angewandte Kunst Wien inne. Permanente Installationen sind u. a. im Dorotheum in Wien, in der Europäischen Zentralbank in Luxemburg und dem Max-Planck-Institut für Chemie in Mainz zu sehen. Die Albertina in Wien widmete 2018 Brigitte Kowanz eine Einzelausstellung, ebenso das Kunstmuseum Celle.</p>"},"en":{"html":"<p>With <strong>Brigitte Kowanz</strong> (*1957 in Vienna), light becomes both language and code. She is concerned not only with formal-aesthetic aspects; more fundamentally, her investigation of light begins with physics, with the attempt to understand from an artistic perspective light as electromagnetic waves or radiation. For this reason as well, the artist concentrates on work with so-called white light. In addition to real space, the virtual data-space is considered by the artist to be a cosmos that she pervades by the sculptural inclusion of Morse code and key data from local internet companies. Since 1997, she has held a professorship for transmedial art at the Universität für angewandte Kunst in Vienna. Permanent installations are on display at such institutions as the Dorotheum in Vienna, the Europäische Zentralbank in Luxembourg and the Max-Planck-Institut für Chemie in Mainz. In 2018 the Albertina in Vienna dedicated a solo exhibition to Brigitte Kowanz, as did the Kunstmuseum Celle.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2020","text":{"de":"Brigitte Kowanz. Lost under the Surface, Museum Haus Konstruktiv, Zürich, Schweiz","en":"Brigitte Kowanz. 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Lichtkunst von Flavin, Kowanz, Morellet, Nannucci u. a., Kunsthalle Weishaupt, Ulm | Light Show, Sharjah Art Foundation, Sharjah, Vereinigte Arabische Emirate | Light Show, Museum of Contemporary Art, Sydney, Australien","en":"Spot an! Lichtkunst von Flavin, Kowanz, Morellet, Nannucci u. a., Kunsthalle Weishaupt, Ulm | Light Show, Sharjah Art Foundation, Sharjah, Vereinigte Arabische Emirate | Light Show, Museum of Contemporary Art, Sydney, Australien"}},{"year":"2014","text":{"de":"Light Show, Auckland Art Gallery, Neuseeland |Die andere Seite. Spiegel und Spiegelungen in der zeitgenössischen Kunst, Belvedere, Orangerie, Wien, Österreich","en":"Light Show, Auckland Art Gallery, Neuseeland |Die andere Seite. 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Im Zentrum der vorliegenden Arbeit stand das Interesse an einem künstlerischen Weiterverarbeitungsverfahren bereits genutzter Kunststoffe und dessen Bezug zur popkulturellen Ästhetik. Die thematische Annäherung an die Formulierung von Plastik als bildhauerisches Material war für ihn eine Konsequenz aus seinen Alltagsbeobachtungen. <em>stranded drifter</em> (deutsch: gestrandeter Herumtreiber) war aus einem Patchwork verschiedener recycelter Materialien zusammengefügt. Als sogenannte Drifter werden u. a. wasserfeste Tragetaschen bezeichnet. Insofern referierte die Arbeit auch auf herumliegendes oder gestrandetes Plastik. Für diese Arbeit im Rahmen des Lichtparcours war es sein Anliegen, dem Kunststoff mit seiner Halbwertszeit und seinen ästhetischen Eigenschaften eine zweite Form zu geben. An drei Standorten im südwestlichen Okerumlaufgraben waren in verschiedenen Größen von innen leuchtende Körper zu sehen. Neben der bereits in der Modellausstellung gezeigten Form, welche zwischen Boje, Wellenbrecher und geheimnisvoller Weltraumkapsel interpretiert wurde, hat Kanclerski ein paar hundert Meter weiter die vermeintlich dazugehörige Wasserlandebahn (<em>drifter lane</em>) auf der Oker markiert, um etwas weiter nördlich diese fiktionale Narration mit einer weiteren abstrakten Form (<em>billboard</em>) aufzubrechen.</p><p><em>Die Arbeiten </em>stranded drifter, drifter lane, billboard<em> wurden mit freundlicher Unterstützung der HOFFMANN Maschinen- und Apparatebau GmbH realisiert.</em></p>"},"en":{"html":"<p>For the Lichtparcours 2020, Sven-Julien Kanclerski embarked upon an artistic investigation involving material and focused on the formal possibilities of the recycling process. At the center of the present work was an interest in the subsequent artistic processing of already-used plastics and its relation to the aesthetic of pop culture. For Kanclerski, the thematic approach to the formulation of plastic as a sculptural material arose out of his observations of everyday life. The work “stranded drifter” was put together out of a patchwork of various recycled materials. The term “drifter” is applied, among other things, to waterproof shopping bags. So the work also makes reference to scattered, stranded items of plastic. With this work in the framework of the Lichtparcours, he was concerned with giving a second form to the plastic, with its half-life and its aesthetic characteristics. Objects lit from within could be seen in various sizes at three locations in the southwestern diversions of the Oker River. In addition to the form already displayed in the model exhibition, which was variously interpreted as a buoy, breakwater and mysterious space capsule, Kanclerski marked a few hundred meters further the supposedly corresponding “drifter lane” on the Oker and then, a little further to the north, disrupted this fictional narrative with a further abstract form (“billboard”).</p><p><strong>The works “stranded drifter”, “drifter lane” and “billboard” were realized with the generous support of HOFFMANN Maschinen- und Apparatebau GmbH.</strong></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Der bildhauerische Ansatz von <strong>Sven-Julien Kanclerski</strong> (* 1988 in Langenhagen) basiert auf seinem Interesse an architektonischen und zeichnerischen Formen, die sich räumlichen Gegebenheiten anpassen und gleichzeitig diese neu behaupten. Es sind oft starke körperhafte Gebilde, die das gesamte Volumen aus- oder die vorhandene Architektur auflösen. Baustellen, Industriebrachen, architektonische, materielle Texturen und Strukturen sind seine Inspirationsquelle. Ebenso veranlassen ihn im Alltag fotografisch festgehaltene Momente, in denen er Oberflächen und Konstruktionen sammelt, zu bildhauerischen Interpretationen. Das Modulare, das auch das Spielerische seiner Arbeiten ausmacht, ist in vielen seiner Werke wesentlich. Sven-Julien Kanclerski studierte an der HBK Braunschweig bei Björn Dahlem und Thomas Rentmeister, wo er 2018 diplomierte und 2019 mit dem Meisterschüler abschloss. Er lebt in Hannover. Zuletzt war seine Arbeit in der Centrespace Gallery in Bristol und im Rahmen der Meisterschülerausstellung Hannover Rück SE zu sehen.</p>"},"en":{"html":"<p>The sculptural approach of <strong>Sven-Julien Kanclerski</strong> (*1988 in Langenhagen) is based on his interest in architectural and graphic forms that adapt to spatial conditions while simultaneously reformulating them. It is often pronouncedly corporeal structures which activate the entire volume or dissolve the existing architecture. Construction sites, industrial wasteland or architectural, material textures and structures serve as his source of inspiration. He likewise bases sculptural interpretations on moments, recorded photographically from everyday life, in which he collects surfaces and constructions. The modular element that also provides the playful element of his works is essential to many of his works. Sven-Julien Kanclerski studied at the HBK Braunschweig with Björn Dahlem and Thomas Rentmeister; he received his diploma in 2018 and completed his studies as a master pupil in 2019. He lives in Hanover. Most recently, his work could be seen at the Centrespace Gallery in Bristol and at the Master Pupil Exhibition Hannover Rück SE.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2019","text":{"de":"Elsewhere is here: Anderswo ist hier, Centrespace Gallery, Bristol, Großbritannien | Meisterschüler 2019, Hannover Rück SE, Hannover","en":"Elsewhere is here: Anderswo ist hier, Centrespace Gallery, Bristol, Großbritannien | Meisterschüler 2019, Hannover Rück SE, Hannover"}},{"year":"2018","text":{"de":"i take the turtle one, Square Gallery Chelsea College, London, Großbritannien (solo) | ACHT, Kubus Gallerie, Hannover Fremd-Anamnesis, Stillpoint Spaces, Berlin | I BELIEVE, Hochschule für Bildende Künste, Braunschweig (solo) | Elsewhere is here: Anderswo ist hier, TURBA Gallery, Hannover | In Situ, Kunstverein DIE H_LLE, Braunschweig | Interiora Patent, Rittergut Lucklum, Lucklum","en":"i take the turtle one, Square Gallery Chelsea College, London, Großbritannien (solo) | ACHT, Kubus Gallerie, Hannover Fremd-Anamnesis, Stillpoint Spaces, Berlin | I BELIEVE, Hochschule für Bildende Künste, Braunschweig (solo) | Elsewhere is here: Anderswo ist hier, TURBA Gallery, Hannover | In Situ, Kunstverein DIE H_LLE, Braunschweig | Interiora Patent, Rittergut Lucklum, Lucklum"}},{"year":"2017","text":{"de":"Revisited, Hallenbad Kunstschaufenster, Wolfsburg | Re-Formation/ART-Figura, Perla Castrum, Schwarzenberg | Operation Lagune, Konnektor, Hannover","en":"Revisited, Hallenbad Kunstschaufenster, Wolfsburg | Re-Formation/ART-Figura, Perla Castrum, Schwarzenberg | Operation Lagune, Konnektor, Hannover"}},{"year":"2016","text":{"de":"Piano Piano, Niedersächsisches Ministerium für Kultur und Wissenschaft, Hannover | GLAUCA, Hallenbad Kunstschaufenster, Wolfsburg | Tight Intersection, GaDeWe, Bremen","en":"Piano Piano, Niedersächsisches Ministerium für Kultur und Wissenschaft, Hannover | GLAUCA, Hallenbad Kunstschaufenster, Wolfsburg | Tight Intersection, GaDeWe, Bremen"}},{"year":"2015","text":{"de":"1. 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Beats and light changed in the same rhythm. Even in this disadvantageous situation: “THE BEAT GOES ON.” What has happened here? And where is the driver who is responsible for this situation. The grotesque, tragicomical image of the non-extinguishable beat could serve as a commentary on the so-called “Generation Golf,” to whom belong persons born in Germany around 1970. In his book published in 1970, the author Florian Illies, who himself belongs to this generation, characterized the Generation Golf as an “enjoying, consuming, for the most part uncritical EGO generation benefitting from the prosperity of their parents.” With his work “THE BEAT GOES ON,” the artist Bjørn Melhus, likewise born in that era, raised questions about taking political responsibility. He was less concerned with the stereotyping of an entire generation as an apolitical, narcissistic mass.</p><p>The staged scene conveyed a form of hedonism that could also be an aspect of social responsibility. What does it mean for a society to cultivate an excessively dissipated lifestyle? Can this even be understood as a human reaction to a crisis-laden atmosphere in which an ongoing, lively beat serves as a sort of hope-filled mantra? On the one hand, the work seemed like a sort of memorial raising the question as to who assumes responsibility. And on the other hand, it formulated a sort of dream-space for fantasies that must have their space at all times.</p><p>The work “THE BEAT GOES ON” was realized with the generous support of the STIFTUNG Sparda-Bank Hannover, the Streiff Holding GmbH &amp; Co. KG and Flussgenuss.</p>"},"en":{"html":"<p>A Volkswagen passenger car, the Golf I model, is partially submerged in the Oker. It shines colorfully from within and emits muffled techno rhythms. Both beat and light change in the same rhythm. Even in this disadvantageous situation, THE BEAT GOES ON. What has happened here? And where is the driver responsible for this situation? The grotesque, tragicomical image of the inextinguishable beat can be understood as a commentary on the so-called Golf Generation, to which belong persons born in Germany around 1970. The author Florian Illies, who himself belongs to this generation, designated it in his book “Generation Golf” published in 2000 as an “EGO generation profiting from the prosperity of its parents, enjoying life, given over to consumption and remaining for the most part uncritical.” Bjørn Melhus, likewise born in that era, uses his work “THE BEAT GOES ON” to raise questions about the assumption of political responsibility. He is less concerned with the stereotyping of an entire generation as an apolitical, self-infatuated mass.</p><p>The staged scene presents a form of hedonism which can also be an aspect of social responsibility. What does it mean for a society when persons indulge in an excessively extravagant lifestyle in an era which is experienced as being unstable? Can this be understood as a human reaction to a crisis-ridden situation in which an ongoing, vivid beat serves as a sort of hopeful mantra? On the one hand, the work appears as a sort of admonitory memorial raising the issue as to who assumes responsibility. And on the other hand, the work formulates a sort of oneiric space for fantasies which must have their space at all times.</p><p><strong>The work “THE BEAT GOES ON” is being realized with the generous support of the STIFTUNG Sparda-Bank Hannover, the Streiff Holding GmbH &amp; Co. KG and Flussgenuss.</strong></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Die künstlerische Praxis von <strong>Bjørn Melhus</strong> (*1966 in Kirchheim unter Teck) entspringt einem Interesse an der kritischen Medienreflexion. In seinen experimentellen Filmen, Fotografien, Performances und Videoinstallationen referiert er auf popkulturelle Inhalte und Strategien, die in Musik, Kino, Fernsehen und den Massenmedien konsumistisch rezipiert werden. Mit einem besonders komischen, absurden Humor, in dem das Fragmentarische, Destruktive und Verwirrende eine zentrale Rolle spielt, kommentiert Melhus, der fast ausschließlich selbst als Darsteller agiert, kritisch Erzählungen der Film- und Fernsehstrategie und entlarvt sie als inszenierte Propaganda des Kapitalismus. Seine Neuinterpretationen vorherrschender massenmedialer Narrative, wie z. B. die Ausspielung des Bösen gegen das Gute, führen die Betrachter in eine beunruhigende Welt, in der das reine Betrachten komplizenhaft erscheint. Seit 2003 ist er Professor für Bildende Kunst/Virtuelle Realität an der Kunsthochschule Kassel. 2018 widmete die halle267 – städtische galerie braunschweig Bjørn Melhus eine Einzelausstellung, 2019 waren Arbeiten von ihm in der McEVOY Foundation for the Arts in San Francisco und im Museum für Neue Kunst in Freiburg zu sehen.</p>"},"en":{"html":"<p>The artistic practice of <strong>Bjørn Melhus</strong> (*1966 in Kirchheim unter Tieck) arises out of an interest in critical reflection about the media. In his experimental films, photographs, performances and video installations, he examines pop-cultural contents and strategies that are received by consumers in music, cinema, television and the mass media. With an especially comic, absurd humor in which the fragmentary, destructive and confusing play a central role, Melhus—who himself acts as protagonist almost all the time—offers a critical commentary on the strategies of film and television and reveals them to be staged propaganda of capitalism. His reinterpretations of predominant narratives from the mass media, such as the pitting of evil against good, usher viewers into a disquieting world in which mere contemplation seems to engender complicity. Since 2003 he has been a professor for visual arts/virtual reality at the Kunsthochschule Kassel. In 2018 the halle267 — städtische galerie braunschweig dedicated a solo exhibition to Bjørn Melhus. In 2019 works by him could be seen at the McEVOY Foundation for the Arts in San Francisco and at the Museum für Neue Kunst in Freiburg.</p>"}},"otherProjects":[{"year":"2019","text":{"de":"KINDL, Zentrum für zeitgenössische Kunst, Berlin | HOT SET, Max-Lieberman-Haus, Berlin | Bjørn Melhus. Ausstellung aus Anlass der Buchpublikation der Stiftung Niedersachsen, Sprengel Museum Hannover, Hannover |  INTROSPECTIONS, Screening Programme McEVOY Foundation for the Arts, San Francisco, Kalifornien, USA | AMBITUS, Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen, Magdeburg","en":"KINDL, Zentrum für zeitgenössische Kunst, Berlin | HOT SET, Max-Lieberman-Haus, Berlin | Bjørn Melhus. 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Diese Boards werden vor allem im öffentlichen Raum und in diesem für Werbezwecke genutzt, häufig findet man sie auch in Kiosken. Auf diesen digitalen Bändern wurden einzelne Inhalte für einen kurzen Moment präsent und verschwanden dann unmittelbar darauf wieder aus dem Bildrand. Insofern war ihr Funktionsmechanismus Zeichen zunehmender Geschwindigkeit von Informationsströmen und fragmentierter Wahrnehmung. Groß arrangierte diese Scrollingboards in <em>TIRED EYES</em> (deutsch: <em>müde Augen</em>) als organisiertes Chaos. Ähnlich wie bei Newsfeeds auf hiesigen Nachrichtensendern, liefen eigene Texte, Zitate und Transkripte zeitgleich in unterschiedlichen Richtungen und Geschwindigkeiten über die Leuchtschriftkästen, die als digitale Leinwände fungierten. Unsynchronisiert schienen die diversen Informationen keinem klaren narrativen Strang zu folgen, sondern funktionierten vielmehr assoziativ wie digitale Gedichte, Dialoge und kommentierten sich gegenseitig. Es wurden hier gefundene Versatzstücke, Beobachtungen aus Kultur und Alltag, die unterschiedliche Realitäten beschrieben, überlagert und gleichgestellt – und in Dauerschleife durch den Raum gezogen. Diese Informationslandschaften verwiesen zum einen auf die Alltagspoesie von Cut-ups und auf der anderen Seite auf die Lücken und Missverständnisse in den digitalen und sozialen Zwischenräumen.</p><p><em>Die Arbeit </em>TIRED EYES<em> wurde mit freundlicher Unterstützung von EWE-Armaturen realisiert.</em></p>"},"en":{"html":"<p>For the Lichtparcours, Martin Groß conceived a nine-part, text-based installation with LED scrolling boards such as can be found in a somewhat larger size in such places as the passenger tunnel at the Braunschweig train station. These boards are used in public spaces and at this site for advertising purposes; they are frequently found in kiosks as well. Individual contents were briefly shown on these digital bands; they then disappeared from the edge of the picture. Their functional mechanism was accordingly a sign for the increasing speed of streaming information and fragmentary perception. In “TIRED EYES,” Groß arranged these scrolling boards as organized chaos. Just as with newsfeeds on local news broadcasters, several texts, quotations and transcripts ran simultaneously in different directions and speeds across the illuminated-writing boxes that served as digital canvasses. Non-synchronized as they were, the various pieces of information didn’t seem to follow a clear narrative thread but instead functioned associatively like digital poems and dialogues offering reciprocal commentary. Found set pieces, observations from culture and daily life that describe different realities were overlapped and equated—then moved through the space in a permanent loop. These information landscapes point on the one hand to the everyday poetry of cut-ups and on the other hand to the gaps and misunderstandings in digital and social intermediate spaces.</p><p><strong>The work “TIRED EYES” was realized with the generous support of EWE-Armaturen.</strong></p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>Den Zeichnungen, Malereien, Texten und installativen Arbeiten von <strong>Martin Groß</strong>&nbsp; (* 1984 in Plauen) ist der Charakter der Montage und Collage gemein. Groß schöpft aus einer Sammlung von digitalen Daten, wie Bildschirmfotos, Notizen, Audio- und Videodateien. Durch die Verschiebung räumlicher wie auch inhaltlicher Kontexte entsteht eine formale, fragmentierte Abstraktion, die unser zeitgenössisches Rezeptionsverhalten kommentiert; Bewegung, Reisen, die Gleichzeitigkeit von Information und Kommunikation, Senden und Empfangen. Seine Arbeiten greifen die verschiedenen alltäglichen realen und digitalen Räume, die von Informationen durchdrungen sind, auf und kommentieren eine Welt, die mit angezogener Handbremse auf einen nicht sichtbaren Horizont zu rast. Martin Groß lebte lange Zeit in London und seit 2018 in Berlin. Zuletzt waren seine Arbeiten in der Galerie EIGEN + ART in Leipzig zu sehen.</p>"},"en":{"html":"<p>The drawings, paintings, texts and installational works of <strong>Martin Groß</strong> (*1984 in Plauen) share the character of montage and collage. Groß draws from collection of digital data such as screenshots, notes, audio- and video-files. The shifting of spatial and contentual contexts gives rise to a formal, fragmented abstraction that comments on our current behavior with regard to reception: movement, travel, the simultaneity of information and communication, transmitting and receiving. His works take up various everyday spaces, both real and digital, that are pervaded by information; they offer a commentary on a world that is racing with the handbrakes on towards an invisible horizon. Martin Groß lived for a long time in London; he has been in Berlin since 2018. 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Der erste Teil der Arbeit besteht aus einem geschwungenen Laternenmast, der sich harmonisch in die Parksituation einfügt. Diesem wird ein überdimensionierter Sockel gegenübergestellt, auf dem der Bronzeabguss einer Katze installiert ist. Stoisch richtet sie ihren Blick auf die Laterne und zeigt sich „der Sonne zugewandt“. In der Kombination von Vertrautem und Unerwartetem kreiert Sailstorfer eine rätselhafte, fast surreale Situation. Nach dem Lichtparcours 2016 wurde die Arbeit im Theaterpark neu aufgestellt.</p><p><strong>Das Kunstwerk wird ab Dämmerung parallel zu den Straßenlaternen beleuchtet.</strong></p>"},"en":{"html":"<p>For the Lichtparcours 2016, Michael Sailstorfer designed a bipartite sculpture that could be seen at the Löwenwall. The first part of the work consists of a curved lamp pole that integrates itself harmoniously into the park situation. It is placed opposite to an oversized pedestal on which the bronze cast of a cat is situated. It gazes stoically at the lamp and presents itself “turned towards the sun”. In this combination of the familiar and the unexpected, Sailstorfer creates an enigmatic, almost surreal situation. After the Lichtparcours 2016, the work was re-erected in the Theaterpark.</p><p>At nightfall the work of art is illuminated parallel to the street lamps.</p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p><strong>Michael Sailstorfer</strong> wurde 1979 in Velden/Vils geboren und studierte an der Akademie der Bildenden Künste München (1999 - 2005) und am Londoner Goldsmiths College (2003 - 2004). In seiner künstlerischen Praxis bedient sich Sailstorfer aus dem unerschöpflichen Fundus existierender Objekte, die er raffiniert modifiziert und in neue Funktionszusammenhänge stellt. Mit einem Instinkt für die versteckten Pointen und Potenziale alltäglicher Gegenstände entlockt er Apparaten und Architekturen erzählerische Momente. Arbeiten des Künstlers sind in zahlreichen internationalen Sammlungen, wie der des Centre George Pompidou Paris, des Städelmuseums Frankfurt, der Städtischen Galerie im Lenbachhaus München oder des Walker Art Center Minneapolis vertreten. Seit 2016 waren die Werke Sailstorfers in zahlreichen weiteren Ausstellungshäusern der Welt zu sehen. Dazu gehörten unter anderen das Carbon.12 in Dubai im Jahre 2018 mit der Ausstellung WE LOVE THEM ALL und die König Galerien, sowohl in London als auch in Berlin.</p>"},"en":{"html":"<p><strong>Michael Sailstorfer</strong> was born in 1979 in Velden/Vils. He studied at the Akademie der Bildenden Künste in Munich (1999–2005 and at Goldsmiths College in London (2003–2004). In his artistic practice, Sailstorfer draws from the inexhaustible resources of existing objects that he subtly modifies and places in new functional contexts. With an instinct for the hidden messages and potentials of everyday objects, he draws forth narrative energies from apparatuses and architectural structures. Works by the artist are to be found in numerous international collections such as the Centre Georges Pompidou in Paris, the Städelmuseum in Frankfurt, the Städtische Galerie im Lenbachhaus in Munich or the Walker Art Center in Minneapolis. Since 2016 works by Sailstorfer have been exhibited at numerous further institutions of the world. Among them are the Carbon.12 in Dubai with its exhibition “WE LOVE THEM ALL” in 2018 and the König Galerien in both London and Berlin.</p>"}},"otherProjects":[],"projectImages":[{"title":null,"alt":{"de":"Solarkatze, 2016, Michael Sailstorfer","en":null},"copyright":{"de":"Stadt Braunschweig / Daniela 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Die Brückendurchfahrt wird durch 150, in Blütenform gestaltete, rote LED-Lichtquellen in eine magische Lichtzone verwandelt. Mit einer zartgelben Betonung der Brücken-Balustrade entsteht ein Übergang zur beleuchteten Straßensituation. Der zweite Teil der Arbeit, ein am Gesims der rückwärtigen Wand des Staatstheaters wandernder Lichtpunkt, symbolisiert das Hinüber und Herüber des Verkehrs über den Fluss, ist gleichsam Willkommensgruß in die Stadt hinein und gleichermaßen als „Verfolger-Scheinwerfer“ des Staatstheaters zu begreifen. Während des Lichtparcours 2000 war eine ähnliche Arbeit von Goulbier an der Rosentalbrücke zu sehen.</p>\r\n<p><strong>Das Kunstwerk wird ab Dämmerung parallel zu den Straßenlaternen beleuchtet.</strong></p>\r\n</article>"},"en":{"html":"<article>\r\n<p>“Evokation in Rot” is a two-part work. The bridge passage was transformed into a magical zone of light through 150 red LED light sources in the shape of blossoms. The delicate yellow emphasis of the bridge’s balustrade creates a transition to the illuminated street situation. The second part of the work, a point of light wandering along the cornice of the back wall of the State Theater, serves as a sort of greeting that ushers into the city; at the same time, the point of light can be understood as a “spotlight” of the State Theater. During the Lichtparcours 2000, a similar work by Goulbier could be seen at the Rosentalbrücke.</p>\r\n<p>In the evening twilight, the work of art is illuminated along with the street lamps.</p>\r\n</article>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>1953 geboren, absolvierte die Künstlerin&nbsp;Yvonne Goulbier&nbsp;ein Studium der Innenarchitektur und erhielt zahlreiche Stipendien u.a. Villa Massimo Rom (1986) und ein Arbeitsstipendium des Kunstfonds Bonn.</p><p>Seit 1980 realisierte sie&nbsp;- in der Zeit von 1980 bis 2011 gemeinsam mit ihrem verstorbenen Mann, dem Bildhauer Klaus Goulbier - zahlreiche Projekte im In- und Ausland. Goulbier schafft vergängliche poetische Lichträume mit Schwarzlicht und fluoreszierenden Materialien. Dabei geht sie auf den Raum und seine Architektur ein und macht \"die Seele\" des Raumes sichtbar.</p>"},"en":{"html":"<p>Born in 1953, the artist <strong>Yvonne Goulbier</strong> completed her studies of interior architecture and received various stipends from the Villa Massimo in Rome (1986) and the Kunstfonds Bonn, among others. Since 1980 she realized—from 1980 to 2011 together with her deceased husband, the sculptor Klaus Goulbier—numerous projects both in Germany and abroad. Goulbier creates transitory poetical light-spaces through the use of black light and florescent materials. She responds to the specific space and its architecture and brings to light the “soul” of the space.</p>"}},"otherProjects":[],"projectImages":[{"title":{"de":"Evokation in Rot von Yvonne Goulbier","en":null},"alt":{"de":"Evokation in Rot von Yvonne Goulbier","en":null},"copyright":{"de":"Kai 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Anstelle der 17 TV-Monitore im „Bogen der Erinnerung“ zum Lichtparcours 2000 wurden im Jahr 2008 zwei blaue LED-Lichtlinien im Inneren des Brückenkorpus installiert. Seine Kombination aus Hightech-Ästhetik mit der Sinnlichkeit und Romantik des Mediums Wasser spannt erneut einen Lichtbogen über den Fluss und in die Geschichte der Stadt.</p><p><strong>Das Kunstwerk ist von&nbsp;19 - 2 Uhr beleuchtet.</strong></p>"},"en":{"html":"<p>With his large-format bridge constructions, the Italian artist Fabrizio Plessi makes reference to a no-longer-remembered crossing at the Gieselerwall. Instead of the 17 TV monitors in “Bogen der Erinnerung” for the Lichtparcours 2000, in the year 2008 two lines of blue LED lights were installed inside the body of the bridge. This combination of high-tech aesthetic with the sensuality and romanticism of the medium of water once again stretches an arc of light across the bridge and into the history of the city.</p><p>The artwork is illuminated from 7:00 p.m. to 2:00 a.m.</p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p>1940 in Reggio nell'Emilia, Italien, geboren, begann <strong>Fabrizio Plessi</strong> nach einem Malereistudium in Venedig ab den 1970er-Jahren großformatige Videoinstallationen zu fertigen, die Monitore als skulpturale Größen begreifen. In folgenden Architekturen, Filmen, Videos und Performances lotet Plessi die Schnittstellen von Natur und Technik aus, wobei Wasser ein wiederkehrendes Element seiner künstlerischen Arbeiten bleibt. Neben einer Beteiligung an der Biennale von Venedig in 1970 und 2003 und 2011 und einer Einladung zur Documenta 8 realisierte Plessi Ausstellungsprojekte im Martin-Gropius-Bau Berlin (2004), im Wilhelm-Hack-Museum in Ludwigshafen, in der Kunsthalle Recklinghausen (2016) und in der Opera Gallery in Paris (2019).</p>"},"en":{"html":"<p>Born in 1940 in Reggio nell’Emilia, Italy, <strong>Fabrizio Plessi</strong>, after studying painting in Venice, began from the 1970s onward to produce large-format video installations that consider monitors to be sculptural elements. In the subsequent architectural constructs, films, videos and performances, Plessi investigates the interfaces between nature and technology, with water remaining a recurrent element in his artistic works. In addition to participation in the Venice Biennial in 1970, 2003 and 2011 as well as being invited to the Documenta 8, &nbsp;Plessi realized exhibition projects at the Martin-Gropius-Bau in Berlin (2004), at the Wilhelm-Hack-Museum in Ludwigshafen, at the Kunsthalle Recklinghausen (2016) and at the Opera Gallery in Paris (2019).&nbsp;</p>"}},"otherProjects":[],"projectImages":[{"title":null,"alt":{"de":"\"Bogen der Erinnerung\", Fabrizio Plessi","en":null},"copyright":{"de":"\"Bogen der Erinnerung\", Fabrizio Plessi, Foto: Thomas 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Der im Rahmen des Braunschweig Parcours 2004 entwickelte Elster Flohmarkt orientiert sich in der Form an einem kleinen Antiquariat am Braunschweiger Burgplatz. Im Inneren befindet sich ein überbordendes Sammelsurium an Gegenständen, die auf regionalen Flohmärkten zusammengetragen wurden. Als Kabinett vergessener Kuriositäten reiht sich das Werk in die Tradition barocker Wunderkammern ein und schlägt mit seiner Beschränkung auf lokale objets trouvés eine Brücke in die Braunschweiger Gegenwart.</p><p><strong>Das Kunstwerk wird ab Dämmerung parallel zu den Straßenlaternen beleuchtet.</strong></p>"},"en":{"html":"<p>Mark Dion’s artistic strategies involve the collection, layering, sorting an rearrangement of found objects. The Elster Flea Market developed for the Braunschweig Parcours 2004 is formally oriented towards a small antique shop at the Burgplatz in Braunschweig. Inside there is abundant collection of objects that were gathered at regional flea markets. As a cabinet of forgotten curios, the work is in the tradition of Baroque cabinets of wonder and, with its limitation to local objets trouvés, links up with the Braunschweig of today.</p><p>The work of art is illuminated in the evening at the same time as the street lamps.</p>"}},"aboutArtist":{"de":{"html":"<p><strong>Mark Dion</strong> wurde 1961 in New Bedford, USA geboren und betätigte sich zunächst als Restaurator bevor er 1984 ein Kunststudium an der School of Visual Arts New York aufnahm. Ein Jahr später folgte ein Studium am Independent Study Program des Whitney Museum of American Art in New York, wo er mit aktuellen Entwicklungen der Concept Art in Berührung kam. In seinen Installationen, Skulpturen, Performances, Filmen oder Videos kritisiert und dekonstruiert Dion museale Naturdarstellungen als vorgebliche Wahrheitsbehauptungen. Werke des Künstlers wurden in Ausstellungen im Museum of Modern Art New York (1999), in den Hamburger Deichtorhallen (2001), in der Kunsthalle Hamburg (2006) oder zuletzt im Marta Herford (2015/16) vorgestellt.&nbsp;Zuletzt wurden seine Arbeiten in Einzelausstellungen in der Whitechapel Gallery, London (2018), im ICA Boston und in der Georg Kargl BOX, Wien (2017) gezeigt.</p>"},"en":{"html":"<p><strong>Mark Dion</strong> was born in 1961 in New Bedford, USA and first worked as a restorer before taking up the study of art at the School of Visual Arts in New York in 1984. A year later, he participated in an Independent Study Program at the Whitney Museum of American Art in New York, where he came into contact with current developments of Concept Art. In his installations, sculptures, performances, films and videos, Dion criticizes and deconstructs the depictions of nature in museums as assertions of supposed truth. Works by the artist have been presented in exhibitions at the Museum of Modern Art in New York, the Hamburger Deichtorhallen (2001), the Kunsthalle Hamburg (2006) and not long ago at the Marta Herford (2015/16). Most recently, his works were shown in solo exhibitions at the Whitechapel Gallery in London (2018), the ICA in Boston and the Georg Kargi BOX in Vienna (2017).&nbsp;</p>"}},"otherProjects":[],"projectImages":[{"title":{"de":"Der Elster Flohmarkt von Mark Dion","en":null},"alt":{"de":"Der Elster Flohmarkt von Mark Dion","en":null},"copyright":{"de":"Kai Behrendt","en":null},"local":{"childImageSharp":{"ratioImageFluid":{"base64":"data:image/jpeg;base64,/9j/2wBDABALDA4MChAODQ4SERATGCgaGBYWGDEjJR0oOjM9PDkzODdASFxOQERXRTc4UG1RV19iZ2hnPk1xeXBkeFxlZ2P/2wBDARESEhgVGC8aGi9jQjhCY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2NjY2P/wgARCAALABQDASIAAhEBAxEB/8QAGAAAAwEBAAAAAAAAAAAAAAAAAAEDAgX/xAAVAQEBAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAf/aAAwDAQACEAMQAAAB4FFqJDD/xAAYEAADAQEAAAAAAAAAAAAAAAAAARACEf/aAAgBAQABBQIeORDn/8QAFBEBAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAEP/aAAgBAwEBPwE//8QAFBEBAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAEP/aAAgBAgEBPwE//8QAFxAAAwEAAAAAAAAAAAAAAAAAAAEgMf/aAAgBAQAGPwI1T//EABkQAQACAwAAAAAAAAAAAAAAAAEQEQBBcf/aAAgBAQABPyELazZTjIBH/9oADAMBAAIAAwAAABBk7//EABQRAQAAAAAAAAAAAAAAAAAAABD/2gAIAQMBAT8QP//EABURAQEAAAAAAAAAAAAAAAAAAAEQ/9oACAECAQE/EFn/xAAaEAEBAQEAAwAAAAAAAAAAAAABEQAhUYGR/9oACAEBAAE/EJdBWVYGQLwaTdc+yHzAUAvjejf/2Q==","aspectRatio":1.7777777777777777,"src":"/lichtparcours2020/static/fa24371cae401e52177f6da082b9b904/eac4d/_MG_2152-HDR.jpg","srcSet":"/lichtparcours2020/static/fa24371cae401e52177f6da082b9b904/d1839/_MG_2152-HDR.jpg 320w,\n/lichtparcours2020/static/fa24371cae401e52177f6da082b9b904/883ec/_MG_2152-HDR.jpg 640w,\n/lichtparcours2020/static/fa24371cae401e52177f6da082b9b904/eac4d/_MG_2152-HDR.jpg 1280w,\n/lichtparcours2020/static/fa24371cae401e52177f6da082b9b904/1a900/_MG_2152-HDR.jpg 1920w","srcWebp":"/lichtparcours2020/static/fa24371cae401e52177f6da082b9b904/99b9e/_MG_2152-HDR.webp","srcSetWebp":"/lichtparcours2020/static/fa24371cae401e52177f6da082b9b904/32709/_MG_2152-HDR.webp 320w,\n/lichtparcours2020/static/fa24371cae401e52177f6da082b9b904/2420f/_MG_2152-HDR.webp 640w,\n/lichtparcours2020/static/fa24371cae401e52177f6da082b9b904/99b9e/_MG_2152-HDR.webp 1280w,\n/lichtparcours2020/static/fa24371cae401e52177f6da082b9b904/e7136/_MG_2152-HDR.webp 1920w","sizes":"(max-width: 1280px) 100vw, 1280px"}}}}],"geo":[{"geometry":{"coordinates":[10.512623190879822,52.2625893189209],"type":"Point"},"id":"368ceb83-835e-07ba-f89f-a5a84f5e656a","properties":{},"type":"Feature"}],"geoSecondary":null}]},"allPagesJson":{"nodes":[{"content":{"__typename":"PageContentGroups","elementGroups":[{"name":"start","elements":[{"__typename":"PageElementTeaserLight","teaserLightUrl":null,"teaserLightHeadline":{"de":"Die Orte\r\nDie Kunst","en":"The locations\r\nThe art"},"teaserLightText":{"de":{"html":"<h3>Die Kunstwerke 2020</h3><p>Internationale Künstlerinnen und Künstler wurden für den Lichtparcours 2020 eingeladen und haben künstlerische Interventionen für den Stadtraum entwickelt. 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